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Planificar una visita a PhotoEspaña no es tarea fácil y más, pensando que será de unas horas y en sábado (algunas galerías cierran por la tarde, incluso todo el día), incluyendo el viaje de ida y vuelta, unos 650 km. PHE12 con sus 80 exposiciones y sus 315 autores, da para mucho más, lo sabemos y lo sentimos, hay mucho que ver, así qué; nosotros nos quedamos con un recorrido típico, accesible en tiempo, modo y lugar, dejando a un lado “seguro” otras alternativas dignas de ser visitadas. Esta es pues nuestra apuesta para un día de las 11 exposiciones para ver, dentro del eje – triángulo, formado por Recoletos, Alcalá, San Jerónimo y el Prado.  

Teatro Fernán Gómez

Fundación Banco Santander

Situación plano nº 16  – Sección oficial

Plaza de Colón, 4 28046 Madrid

Martes a sábado de 10 a 21 h

Domingo y festivos de 10 a 19 h

Asia Serendipity

Exposición colectiva

Fechas: 6 junio – 22 julio

Yuki Aoyama / Kana Honda / Miwako Iga / Yasushi Kohno / Kohei Koyama / Chiho Miyamoto / Kazem Mohammed / Pushpamala N / Sohei Nishino / Hiroshi Nomura / Hideyuki Ohba / Sherman Ong / Gina Osterloh / Koji Sekimoto / Lu Yao

Uno de los fenómenos clave en la transformación del mundo contemporáneo es la disolución de los límites entre categorías y géneros. La frontera entre producción artística y fotográfica es cada vez menos clara. Lo falso y lo real, lo real y lo imaginario, se convierten en uno. Muchos jóvenes talentos asiáticos experimentan en nuevas direcciones, menos preocupados por la tradición y el academicismo. Su libertad de espíritu hace que desarrollen magníficas historias y nuevos puntos de vista para los que a menudo utilizan imágenes fotográficas, presentando nuevas posibilidades para el medio.

Hoy en día, Asia es uno de los más importantes núcleos de producción artística y cultural. Su economía está sufriendo un claro desarrollo y los cambios sociales son también notables. El arte y la cultura no son ajenos a estos movimientos y muchos jóvenes artistas llegan a la industria creativa con retos diferentes a los de sus colegas occidentales. Su herencia, su educación y su estilo de vida son diferentes pero, sin sentirse limitados por su pasado, se lanzan a la exploración de nuevas expresiones artísticas. Entre sus retos se encuentran ilustrar una utopía nueva y contemporánea así como la expresión de los sentimientos, una tarea que se mueve en las tensiones entre la tradición y la modernización.

Los trabajos reunidos en la exposición provienen de China, Emiratos Árabes Unidos, Filipinas, India, Japón y Singapur. La selección de artistas, conocidos en sus países pero no tanto en la escena internacional, permite observar emocionantes esfuerzos por crear sensibilidades alternativas para el futuro.

Folleto informativo exposición

De la Factory al mundo. Fotografía y la comunidad de Warhol

Exposición colectiva

Fechas: 6 junio – 22 julio

Richard Avedon / Cecil Beaton / Brigid Berlin / Nat Finkelstein / Billy Name / Christopher Makos / Jonas Mekas / Stephen Shore / Andy Warhol

Andy Warhol es uno de los artistas más importantes e influyentes del siglo XX. De todas sus contribuciones al desarrollo de la estética posmoderna y contemporánea, quizás ninguna sea tan significativa como el trabajo colaborativo de la Factory. En funcionamiento desde 1962, no fue únicamente un espacio de trabajo sino un núcleo para las interacciones sociales y culturales entre Warhol y una gran cantidad de amigos, amantes, artistas, conocidos, curiosos y espectadores. Un punto de encuentro de gran actividad que se convirtió en una comunidad vital. Dentro de la Factory numerosos artistas generaron un microcosmos que sirve como ejemplo de un acercamiento relacional al quehacer artístico.

La exposición examina el papel decisivo de la fotografía en la documentación y en la realización de la extravagante cultura bohemia de la Factory. Está compuesta por el trabajo fotográfico de autores ligados al estudio –profesionales, amateurs y voyeurs pasajeros– que reflejan una amplia variedad de técnicas y géneros. Entre las más de cien fotografías expuestas tienen un papel destacado las realizadas por el propio Warhol, imágenes poco conocidas a las que se accede gracias a la Andy Warhol Foundation. En los últimos años de su vida, el propio Warhol buscó dar a conocer la Factory, por lo que se incluye una selección de sus libros y revistas que evidencian la cada vez más global práctica social y cultural de Warhol.

Folleto informativo exposición

Casa de América

Situación plano nº 03  – Sección oficial

Paseo de Recoletos, 2

Lunes a sábado de 11 a 20 h

Domingo y festivos de 11 a 15 h 

La tierra más hermosa. Cuba

Exposición colectiva

Fechas: 7 junio – 16 septiembre

José Ramón Bas / Juan Manuel Castro Prieto / Toni Catany / Juan Manuel Díaz Burgos / José María Díaz-Maroto / Alberto García-Alix / Cristina García Rodero / Ángel Marcos / José María Mellado / Enrique Meneses / Isabel Muñoz

El fotógrafo busca con tesón fuentes de inspiración y, por lo tanto, persigue nuevas culturas, paisajes y seres. Las imágenes de esta exposición llevarán a los visitantes a muchos rincones de la gran isla de Cuba, a percibir la tierra, la piel y el sabor de una cultura diferente, cercana y lejana al mismo tiempo. A través de 66 trabajos de once fotógrafos, la muestra pretende desnudar el alma de estos artistas e intentar llegar a su esencia, a lo elemental de su concepto narrativo, emocional, visual e incluso humano. Así se puede crear un mapa de lo que para ellos ha significado Cuba, descubriendo una pasión colectiva e indivisible en el amor por esa tierra.

La muestra recoge imágenes de mediano formato llenas de color, luz y vida de José Ramón Bas; la serie Extraños de Juan Manuel Castro Prieto; fotografías nostálgicas y sobrias de Toni Catany; el retrato de la vida sin adornos de Juan Manuel Díaz Burgos; sencillas escenas convertidas en instantes irrepetibles de José María Díaz Maroto; una serie de retratos inéditos de Alberto García-Alix; las estremecedoras composiciones de Cristina García Rodero; trabajos del gran fotoperiodista Enrique Meneses, quien convivió diez meses con la guerrilla en 1957; “la técnica al servicio del inconformismo” de Ángel Marcos; el lenguaje cercano al hiperrealismo mágico de José María Mellado; y el trabajo de Isabel Muñoz, que se mueve entre los espiritual y lo carnal.

Folleto informativo exposición

Instituto Cervantes

Situación plano nº 08  – Sección oficial

Alcalá, 49 28014 Madrid

De martes a domingo de 11:00 a 20:00 h.

Festivos de 11:00 a 14:00 h. Lunes cerrado

Esquizofrenia tropical

Exposición colectiva

Fechas: 7 junio – 16 septiembre

Melba Arellano / Lucia Baragli / Guadalupe Casasnovas / Patricio Crooker – Alfredo Zeballos /José Luis Cuevas / Pedro David / Alejandro Kirchuk / Mayra Martell / Tatewaki Nio / Alejandro Olivares / Jorge Taboada / Inés Tanoira – Franco Verdoia / Tuca Vieira / Nicolás Wormull

El Instituto Cervantes presenta, continuando el proyecto de años anteriores, una exposición de dieciséis jóvenes fotógrafos latinoamericanos seleccionados a partir de los visionados de porfolios de Trasatlántica organizados por AECID y PHotoEspaña en AECID/Embajada de España en Bolivia y el Centro Cultural de España en Santo Domingo.

Esquizofrenia tropical reúne ensayos fotográficos realizados por dieciséis autores – la mayoría de ellos, noveles – de seis países. La muestra refleja la bipolaridad que se experimenta en los últimos tiempos en Latinoamérica. Teniendo en cuenta por un lado los cambios en la sociedad (el crecimiento económico, el optimismo sobre el futuro o el ascenso de la clase media), los autores generan trabajos visuales inéditos en la fotografía documental latinoamericana. En ellos es posible hablar de una fotografía sin sufrimiento, tanto por los contenidos como por la forma. Una fotografía cuya estética refleja un optimismo en el que la política está ausente. Por otro lado, los fotógrafos seleccionados no abandonan la mirada comprometida que tan presente ha estado en la reciente producción fotográfica latinoamericana.

Continúan a la busca de la visualización de numerosos dramas aún existentes y sin expectativas de solución inmediata, como, por ejemplo, la violencia.

La exposición lleva al espectador por dos caminos: en medio de la sala, el espectáculo, la escala gigante de unas megaurbes desenfrenadas; en los extremos, un paseo por la América Latina más intimista, sea en paz o en guerra.

Folleto informativo exposición

 Círculo de Bellas Artes

Situación plano nº 04  – Sección oficial

Alcalá 42 – 28014 Madrid/ Gran Via, 8 – 28013 Madrid

Aquí estamos

Círculo de Bellas Artes – Sala Picasso

Fechas: 7 junio – 22 julio

Martes a sábado de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 21:00 h

Domingo y festivos de 11:00 a 14:00 h. Lunes cerrado

Richard Avedon

Richard Billingham

Paz Errázuriz

Lilla Szász

Maestro neoyorquino de la fotografía de moda, Richard Avedon era una estrella cuando murió en 2004; Richard Billingham obtuvo reconocimiento internacional cuando en 1997 fue incluido en la controvertida exposición Sensation de la Royal Academy de Londres. Paz Errázuriz comenzó su carrera en los 80 con la dictadura militar chilena como telón de fondo; la joven Lilla Szász inició su trayectoria en el 2000 con una rápida proyección en Europa, EEUU y Asia.

Desde diferentes horizontes estos fotógrafos retratan contextos peculiares, a veces impenetrables, y obtienen momentos únicos de confianza, desinhibición y ternura con las personas que los habitan. Misteriosas y familiares, las fotografías constituyen el ‘aquí’ de extraordinarios encuentros entre los fotógrafos y sus sujetos.

Richard Avedon (EE.UU. 1923–2004) produce fotografías que subvierten las reglas del retrato halagador y la imagen comercial, llevando a personajes icónicos a un lugar entre grave y grotesco. Richard Billingham (Reino Unido, 1970) crea un diario visual sórdido pero tierno, ofreciendo un demoledor retrato de su padre Ray. Paz Errázuriz (Chile, 1944) muestra la resistencia de personas que viven en los márgenes del sistema o que han sido arrastrados a la precariedad. El sentido del humor y el respeto caracterizan a Lilla Szász (Hungría, 1977), que retrata escenas cotidianas en un proceso fotográfico y personal.

Aquí estamos plantea la posibilidad de proyección, más allá de sus contextos, de universos complejos y singulares en un presente de comunicación instantánea.

Folleto informativo exposición

Mar de afuera

Manuel Vilariño

Círculo de Bellas Artes – Sala Goya
Fechas: 18 abril – 8 julio

Martes a sábado de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 21:00 h

Domingo y festivos de 11:00 a 14:00 h. Lunes cerrado

En la trayectoria de Manuel Vilariño conviven obras en blanco y negro y en color, en un continuado intento de fusionar valores de la naturaleza con aspectos de raíz cultural. Nociones en torno al límite, lo sagrado, lo sublime o la soledad del tiempo en el devenir de la vida y la muerte, reposan en las metáforas y símbolos de sus composiciones, de una belleza austera y clásica, protagonizadas por animales, acompañados a veces de otros elementos alegóricos como calaveras, especias, frutas, velas o herramientas.

La exposición parte de la idea de que todo espacio se define por un afuera. Trata de plantear cuál es el espacio en el que uno se reconoce y por donde transita, precisamente en relación con este afuera. La muestra trabaja con dos ideas de marcado carácter plástico que se acomodan a esta poética: “la hora azul” de la que una vez habló Rohmer, un minuto de silencio antes del alba, y la relación que René Char mostraba en El desnudo perdido entre la energía de resistencia máxima y la luz de la vela.

Las primeras exposiciones de Manuel Vilariño (A Coruña, 1952) datan de 1980, en Vigo y A Coruña para exponer posteriormente en otras ciudades de España, Europa y EE. UU. Su consagración llega en 2002, cuando el Centro Gallego de Arte Contemporáneo acoge su exposición individual, con estudios de Miguel Fernández-Cid, Chantal Maillard, Félix Duque, Alberto Ruiz de Samaniego, y un poema de Antonio Gamoneda. En 2007 recibió el Premio Nacional de Fotografía y su obra representó a España en la 52 Bienal de Venecia.

Folleto informativo exposición

Caballeros de Bacongo

Daniele Tamagni

Círculo de Bellas Artes – Sala Minerva

Fechas: 7 junio – 22 julio

Martes a sábado de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 21:00 h

Domingo y festivos de 11:00 a 14:00 h. Lunes cerrado

La sociedad masculina sapeur se caracteriza por una extrema devoción por la moda que en contradicción con su pobre contexto social y económico, les hace destinar todo el dinero posible a la adquisición de ropa de grandes firmas internacionales de alta costura. Su estilo recuerda al de los dandis, bebe de sus típicos gestos y conductas enfatizándose y teatralizándose a través de poses que recuerdan a las de los modelos de las revistas de moda. Para los sapeurs, la elección del atuendo no es únicamente una cuestión de estilo, es casi una religión.

Para la serie Caballeros de Bacongo, Daniele Tamagni ha retratado a los miembros de la SAPE (Societé des Ambianceurs et des Personnes Elégants) del barrio de Brazzaville, capital de la República del Congo. Originaria de ese país, la sociedad sapeur se ha extendido a la República Democrática del Congo y a la diáspora congoleña en los suburbios de París y Bruselas. Las fotografías de Tamagni plasman la incongruencia entre los atuendos lujosos y los pobres escenarios donde se lucen, creando una singular combinación entre fotografía de moda y fotografía social.

Danielle Tamagni (Italia, 1975) ha documentado diversas comunidades en África y, más recientemente, en Bolivia. Su trabajo muestra los desplazamientos e hibridaciones frecuentes en la fotografía contemporánea, donde los bordes de los géneros se han vuelto porosos. Su obra se ha expuesto en festivales como Visa pour l’image, ferias como Paris Photo y diversos centros de arte. Su trabajo ha sido reconocido en certámenes como el World Press Photo o el ICP Infinity Award.

Folleto informativo exposición

Comunidad de Madrid. Alcalá 31

Fundación Telefónica

Situación plano nº 05  – Sección oficial

Alcalá 31
De martes a sábado, de 11.00 a 20.30 h
Domingos y festivos de 11.00 a 14.00 h. Lunes cerrado

Ansiedad de la imagen

Exposición colectiva

Fechas: 5 junio – 5 agosto

Matteo Basilé / Winfried Bullinger / Chen Chieh- jen / Wu Daxin / Nir Evron / Wang Guofeng /Ni Haifeng / Miki Kratsman / Lu Nan / Wang Ningde / Eugenia Raskopoulos / Daniel Schwartz / Miao Xiaochun / Lee Yongbaek

La globalización ha trascendido las fronteras nacionales, provocando una reestructuración basada en necesidades económicas e intereses políticos. Este discurso ha intensificado conflictos como la polarización entre ricos y pobres o la oposición entre globalización y nacionalismo, centro y periferia. En la era de la información, su producción y transformación ha generado una enorme presión psicológica sobre los ciudadanos –influyendo en su estilo de vida– y los gobiernos –poniendo en apuros su propia viabilidad y modificando legislaciones–.

La exposición comisariada por Huang Du explora desde la racionalidad, la ansiedad que provocan las imágenes, una ansiedad entendida como una actividad psicológica producida por la presión exterior. No es difícil descubrir una Ansiedad de la imagen, ya que el hombre ha sido influido, controlado o invadido cada vez más por las imágenes. En torno a este tema se reúnen trabajos realizados por 14 artistas de Alemania, Argentina, Australia, Corea, China, Israel, Italia, Taiwán y Suiza realizados casi en su totalidad entre 2005 y 2011. La ansiedad sube de intensidad debido a cambios sociales radicales como la inestabilidad del estado, el desconocimiento del desarrollo social, la falta de fe, la ruptura entre tradición y modernidad y la expansión del materialismo. Los trabajos seleccionados para la muestra –cinco instalaciones y nueve series fotográficas– son testamento y respuesta a estos temas.

Folleto informativo exposición

Ansiedad de la Imagen – PhotoEspaña 2012

Museo ICO

Situación plano nº 12  – Sección oficial

Zorrilla, 3 28014 Madrid
De martes a sábado de 11.00 a 20.00 h
Domingo y festivos de 10.00 a 14.00 h. Lunes cerrado

La fotografía como intervención

Carlos Garaicoa

Fechas: 7 junio – 9 septiembre

Las obras de Carlos Garaicoa hablan sobre la historia, las relaciones sociales y los mitos urbanos. La fotografía como intervención es la primera exposición dedicada a su obra fotográfica que recorre obras producidas durante los últimos 20 años.

La exposición recoge parte de sus primeros trabajos fotográficos, obras de pequeño formato que muestran un interés inicial por la fotografía documental. También reúne una selección de fotografías a color de mayor tamaño con marcado interés en espacios arquitectónicos y urbanos de numerosas ciudades y se incluye la serie fotográfica desarrollada para el proyecto Memorias Íntimas: Marcas, que busca exorcizar los traumas de la guerra angolano-sudafricana en la que Cuba participó en las décadas de los 70 y 80. Por último, la muestra recorre trabajos recientes que exploran los límites de la fotografía tradicional: fotografías con dibujos en hilo, impresas sobre metal y estuco, intervenidas con láser o con impacto de balas, tapices que parten de fotografías digitales…

Carlos Garaicoa (Cuba, 1967) estudió ingeniería termodinámica y pintura en La Habana. Entre sus exposiciones individuales destacan Overlapping en el Irish Museum of Modern Art, Bienes Mostrencos en el Museo de Arte Moderno de Medellín, La enmienda que hay en mí en Grachip Studio de Tampa o El punto, la línea y el plano en la Galería East Central de Londres. Ha participado en grandes citas artísticas como la Bienal de Venecia, la Documenta de Kassel, la Bienal de La Habana o la Bienal de São Paulo. Actualmente reside entre La Habana y Madrid.

La Fundación ICO y PHotoEspaña organizan por primera vez un programa educativo que permite a 300 estudiantes de ocho centros de enseñanza madrileños acercarse a la fotografía y las artes visuales contemporáneas.

Folleto informativo exposición

Real Jardín Botánico – CSIC

Situación plano nº 15  – Sección oficial

Plaza de Murillo, 2 28014 Madrid
Lunes a domingo de 10.00 a 21.00h

air port photo

Exposición colectiva

Fechas: 7 junio – 22 julio

Rubén Acosta / Juan Adrio / Almalé/Bondía / Helena Almeida / Chema Alvargonzález / Paula Anta / José Manuel Ballester / Raúl Belinchón / Francisco Javier Berguizas / Massimo Boldrin / Daniel Canogar / Victoria Diehl / Carmela García / Arantzazu García Calderón / Chus García Fraile / Alberto García-Alix / Pablo Genovés / Dionisio González / Maider López / Ricardo López Bueno / Rogelio López Cuenca / Chema Madoz / Marta Soul / Jorge Mendué / Rosell Meseguer / José Ramón Moreno / Paloma Navares / Paco Polán / Álvaro Sánchez-Montañés / Juan de Sande / Santiago Sierra / Daniel Torrelló / Damián Ucieda / Raúl Urbina / Tim White-Sobieski

La Colección Aena de Arte Contemporáneo habita en los aeropuertos, se contagia del impulso renovador de su arquitectura y de su ingeniería. En 2005 se creó el Premio Fundación Aena de Fotografía, de carácter extraordinario, coincidiendo con el X aniversario de la Fundación, una vía para abrir la colección a esta disciplina artística. La convocatoria extraordinaria se repitió en 2007 y 2009 y a partir de 2010 se establece con carácter regular y anual como un compromiso de mecenazgo al arte fotográfico. Con este premio se han incorporado a la colección 18 fotografías, correspondientes a los tres premiados en cada convocatoria, de autores como Victoria Diehl, Paco Polán, Rosell Meseguer o Almalé/Bondía. Paralelamente se han adquirido piezas que han revitalizado y enriquecido el patrimonio artístico de Aena, de artistas como Alberto García-Alix, Chema Madoz, Chema Alvargonzalez, Santiago Sierra y Daniel Canogar.

Las obras reunidas para la exposición responden a diferentes inquietudes artísticas: la preservación de la naturaleza y la cultura, discursos artísticos de denuncia social o reflexiones sobre espacios deshumanizados, entre otras. El broche de la muestra son dos piezas de vídeo arte de José Manuel Ballester y de Tim White-Sobiesky, recientemente incorporadas.

Folleto informativo exposición

Espacio compartido

Exposición colectiva

Real Jardín Botánico – CSIC

Lunes a domingo de 10.00 a 21.00h
Fechas: 6 junio – 22 julio

Hans Aarsman, Olivo Barbieri, Wout Berger, Edward Burtynsky, Gregory Crewdson, Philip-Lorca diCorcia, Ken Fandell, Günther Förg, Ben Gest, Andreas Gursky, Jitka Hanzlova, Bertien van Manen, Shirin Neshat, Walter Niedermayr, Gabriel Orozco, Thomas Ruff, Tokihiro Sato, Raghubir Singh, Beat Streuli, Thomas Struth, Sze Tsung Leong and Massimo Vitali

Espacio compartido actúa como una cápsula del tiempo desde 1987 hasta hoy valiéndose de fotografías y vídeos de la Colección del Bank of America Merrill Lynch y organizada dentro de su programa Art in our Communities. La exposición utiliza como punto de partida el año 1987, en el que Reagan y Gorbachov firman el Tratado INF de limitación de armas nucleares. Este acontecimiento, junto a la caída del muro de Berlín y el colapso de la URSS y sus estados satélites, marca el final de la Guerra Fría y da paso a una nueva era global a cuya formación contribuye también la creación y el desarrollo de Internet.

Cada uno de los artistas que forman esta muestra retrata este periodo de transición desde una perspectiva única. Algunos de ellos, como Thomas Ruff o Günter Förg, retratan edificaciones que en su época reflejaron los ideales de la modernidad pero que hoy en día revelan el fracaso de esos sueños utópicos. Otros, como Hans Aarsman, Wout Berger y Olivo Barbieri, documentan vastos paisajes plasmándolos desde una gran distancia, como si se observaran desde un avión que sobrevolara un mundo nuevo. Su punto de vista refleja el nivel de desconexión que siente el individuo pese a estar más conectado que nunca.

Jóvenes artistas incluidos en la exposición como Ken Fandell y Ben Gest, emplean nuevas tecnologías para expresar algunas de las implicaciones de la acelerada era electrónica y sus trabajos recuerdan que la aldea global está llena de diferencias y distancias. A través de las obras que forman Espacio compartido se descubren artistas que lidian con las complejidades de estos tiempos revolucionarios.

Folleto informativo exposición

PHOTOESPAÑA 2012

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