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PHE14, abre sus puertas un nuevo año y merece la pena su visita más que obligada de aquellos que hacen de la fotografía, su pasión; sean profesionales o amateur. Del 4 de junio al 27 de julio, podremos visitar, la XVII edición de PHotoEspaña, Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales, dedicada en esta ocasión a la fotografía española.

Desde aquí queremos unirnos a esta fiesta de la imagen, sin lugar a dudas única en España y proponer un reducido recorrido de un día, salvando horarios, festivos y descansos que puedan darse, según la  fecha elegida.

La elección supone dejar de lado exposiciones que no por ser menos interesantes, suponen complicados circuitos difíciles de realizar por distancias y agendas de apertura de las galerías, generalmente en horarios adversos al de un sábado, día escogido para este singular recorrido fotográfico.

También vemos la posibilidad de conocer la nueva sala de la Fundación Mapfre, situada en Barbará de Braganza, 13, esquina con el Paseo Recoletos, que aunque ajena a FhotoEspaña, presenta una interesante exposición de Vanessa Winship, y dicho sea nos viene al paso.

A disfrutar, amigos. Nos vemos en PHotoEspaña.

PHOTOESPAÑA 2014

1.- (06) FERNÁN GÓMEZ CENTRO CULTURAL DE LA VILLA

P2P. Prácticas contemporáneas en la fotografía española

Carla Andrade / Bego Antón / Íñigo Aragón / Julián Barón / Bubi Canal / Jon Cazenave / Nicolás Combarro / Cristina de Middel / Alberto Feijoo / Olmo González / David Hornillos / Jesús Madriñán / Alejandro Marote / Javier Marquerie / Daniel Mayrit / Oscar Monzón / Tanit Plana / Ixone Sadaba / Alberto Salván / María Sánchez / Carlos Sanva / Marc Serra /Miguel Ángel Tornero / Román Yñán.

Fechas: 4 junio – 20 julio Horario:11 a 14,30 y 17 a 20,30 h

IÑIGO ARAGÓN

Un proyecto expositivo que reúne las prácticas y teorías más innovadoras de la fotogra­fía española contemporánea. La selección de artistas es el resultado de un proceso de conversaciones online en las que se analiza la variedad de prácticas fotográficas empleadas en el contexto actual.

P2P Prácticas contemporáneas en la fotografía española es un proyecto expositivo que tiene como finalidad articular y poner en común las prácticas y teorías más innovadoras presentes en la joven fotografía española contemporánea. La exposición se diseña con el objetivo de crear conversaciones visuales entre los participantes que permitan transmitir el dinamismo y el amplio espectro de ideas fotográficas con las que los artistas y sus redes creativas trabajan en la actualidad.

La selección de artistas cuyas obras conforman la muestra es el resultado de un proceso iterativo de conversaciones públicas moderadas por el equipo de comisarios donde se tratan cuestiones relacionadas con el medio fotográfico, sus metodologías y el contexto en que los artistas desarrollan su trabajo actualmente. Estos diálogos, iniciados por un primer grupo de fotógrafos elegido por los comisarios, determinan los contenidos de la exposición y el resto de participantes en la muestra.

Además de la exposición, el proyecto cuenta con un programa paralelo que incluye deba­tes, talleres y actividades que sirven como espacio para la reflexión sobre el estado de la fotografía española contemporánea. El proyecto contará con un catálogo que se publicará a posteriori y cuyos contenidos se generarán a lo largo del proyecto.

2.- (01) BIBLIOTECA NACIONAL DE ESPAÑA

Fotografía en España, 1850-1870

Charles Clifford / Jean Laurent / José Martínez Sánchez / Alonso Martínez y Hermano / Joaquín Pedrosa / José Spreafico

Fechas: 27 mayo – 14 septiembre. Horario: 10 a 20 h

BIBLIOTECA NACIONAL

La Biblioteca Nacional ha realizado una selección de sus fondos fotográficos y presenta obras de los pioneros de la imagen en España

La exposición recorre el periodo comprendido entre 1850 y 1870, clave para la historia fotográfica del país. Entre los fondos fotográficos que conserva la Biblioteca Nacional de España se encuentra un importante conjunto de imágenes del siglo XIX que destaca por su relevancia y variedad. En él están representados los diferentes caminos que ha seguido el fenómeno fotográfico desde su aparición pública en 1839, su evolución y su desarrollo.

La exposición presenta una selección de esos fondos delimitada entre los años 1850 y 1870 en España. Una época en la que trabajaron grandes nombres de la fotografía del siglo XIX como Charles Clifford, Jean Laurent, José Martínez Sánchez, Alonso Martínez y Herma­no, José Spreafico y Joaquín Pedrosa. La muestra reúne además fotografías anónimas de gran interés para el visitante.

El conjunto de obras seleccionadas se caracteriza por su riqueza y variedad temática, re­flejo del potencial gráfico que adquirió la fotografía desde su aparición y de su importante labor como difusora del conocimiento visual en diferentes campos de interés. La fotografía contribuyó a dar a conocer grandes avances fruto de las revoluciones industriales, las obras públicas, la llegada del ferrocarril, grandes exposiciones internacionales y descu­brimientos arqueológicos así como retratos de personajes relevantes, obras de arte y mo­numentos. Es esta una compilación de temas y fotógrafos que permite conocer las piezas más tempranas del fondo, muchas de ellas verdaderas obras maestras.

Los mejores libros de fotografía del año

Fechas: 27 mayo – 27 julio

LUIS DE LAS ALAS

Los libros de fotografía más destacados del último año se exponen en la Biblioteca Nacional. Cerca de un centenar de publicaciones candidatas al Premio al mejor libro de fotografía del año de PHotoEspaña.

La exposición Los mejores libros de fotografía del año reúne una selección de un centenar de libros nacionales e internacionales especializados en fotografía y editados en el último año. Las publicaciones expuestas han sido escogidas entre todas las recibidas en la con­vocatoria al Premio al mejor libro de fotografía PHE14 que PHotoEspaña concede cada año en tres categorías: nacional, internacional y editorial destacada del año.

Con esta exposición se ofrece un panorama general sobre las últimas tendencias en el campo de la edición de libros de fotografía centrando la atención en diferentes aspectos del resultado final, tales como la secuencia de imágenes, diseño gráfico, el formato y material elegido. Una suma de variables que en su conjunto convierten al libro en una obra más del artista, dando a conocer desde fotógrafos históricos a propuestas artísticas contemporá­neas

3.- (00)NUEVA SALA DE EXPOSICIONES BÁRBARA DE BRAGANZA

Vanessa Winship

C/Barbara de Braganza, 13-Esquina Ps. Recoletos

Del 30 de mayo al 31 de agosto de 2014

FUNDACIÓN MAPFRE

La fotografía de Vanessa Winship (Barton 1960) entabla un diálogo con la impronta del siglo pasado sobre las personas y los territorios que estas transitan, con los largos procesos marcados por movimientos de desintegración e integración de volubilidad de fronteras y reafirmación de identidades. Sus imágenes, en ocasiones apoyadas en textos breves, ofrecen una mirada poética, menos inmediata que la del fotoperiodismo, que aborda el efecto de la historia sobre lo cotidiano.

Desde que iniciara su trabajo en los Balcanes a finales de la década de 1990 hasta su obra más reciente en Almería, Winship se ha interesado por espacios en los que la presencia humana y el paisaje parecen desafiar los límites geopolíticos y los sucesos históricos. Todo el potencial y contenido documental de su fotografía se desplaza hacia nociones íntimas. como la vulnerabilidad, el cuerpo o la biografía. En sus series se puede trazar el modo en que se inscriben, en la piel, los rasgos o el vestido, normas, herencias; asimismo, la forma en la que en cada uno de los paisajes resiste inalterado a la historia o graba en su seno, mediante las ruinas de proyectos políticos o sociales, las heridas de un pasado reciente.

Esa doble naturaleza, entre la indagación documental y las pesquisas intima, es la clave en su obra. Tanto si sus imágenes muestran la inmediatez de un instante que casi escapa a la mirada, como si son el producto del posado de un modelo, contienen unos elementos de autenticidad: el que es capaz de generar su sentimiento de lo común y compartido a través de una mirada a lo aparentemente ajeno y remoto.

4.- (20) CENTRO CIBELES

Un día en la vida de Madrid

Fechas: 18 junio – 27 julio. Horario: 10 a 20 h

LUIS DE LAS ALAS (2)

Centro Cibeles acoge una exposición que se compone de las fotografías ganadoras del certamen online Un día en la vida de Madrid, organizado por el Ayuntamiento de Madrid y Samsung. Este concurso, de convocatoria abierta y sin límite de edad, reúne 24 fotografías, una por cada hora del día, para formar un retrato fotográfico colectivo y masivo de lo que acontece en la ciudad de Madrid a lo largo de un día.

V Bienal Internacional de Arte Fundación ONCE

Fechas: 20 mayo – 14 septiembre

ANGEL ROJO GUTIERREZ

La Bienal Internacional de Arte Fundación ONCE nació en 2006 con el objetivo de reconocer y difundir la obra de artistas con algún tipo de discapacidad, así como de potenciar su acceso y participación en el mercado del arte. La V edición de la Bienal tiene como eje la diversidad humana y el cuerpo. Alrededor de este tema se vertebra una exposición de artes plásticas y un amplio programa de actividades paralelas de diferentes disciplinas.

5.- (02) CASA DE AMÉRICA

Chile en fiesta

Catalina Riutort y Alejandra Undurraga

Fechas: 5 junio – 27 julio. Horario: 11 a 15 h.

CATALINA RIUTORT

Chile posee una intensa tradición de celebraciones profanas y religiosas que ha mode­lado su identidad como nación. Este conjunto de imágenes da cuenta de las festividades más extendidas en el país andino en un recorrido por toda la nación.

En Chile se celebran fiestas tradicionales, tanto profanas como religiosas, que dan cuenta del sincretismo que se produjo entre la cosmovisión indígena originaria y la cultura hispana a partir del siglo XVI. Existen fiestas que honran a la Virgen, agradecen a la Pachamama, veneran santos patrones y alimentan el alma de los muertos. En el país andino se celebra la independencia, se festejan triunfos militares, existen fiestas costumbristas relacionadas con faenas de trabajo y muchas otras que rescatan tradiciones, expresiones artísticas y modos de vida que son parte de su identidad. Chile es un país que celebra mucho más de lo que cree, sobre todo en zonas rurales donde la distancia de las grandes ciudades, la impermeabilidad frente al racionalismo y la lógica de la eficiencia de la cultura moderna, han protegido estas manifestaciones.

Casa de América acoge una exposición de fotografías de Alejandra Undurraga y Catalina Riutort recogidas en el libro Chile en fiesta (2007), un registro de celebraciones populares impulsado por Catalina Darraidou. La muestra pretende celebrar la afirmación del mundo que implica la fiesta y poner de manifiesto el patrimonio inmaterial que conforma la riqueza de la cultura chilena. Si las fiestas populares son manifestaciones que tienen que ver con aspectos profundos del ser humano en las que se expresa espiritualidad, esperanza y gratitud, su registro y su difusión contribuye a ponerlas en valor y a enriquecer la identidad tanto de los que participan de ellas como de aquellos que desconocen lo que atesoran los pueblos más recónditos.

Gigantos

Raquel Brust

Fechas: 5 junio – 27 julio

RAQUEL BRUST

Casa de América acoge la proyección de Gigantos, de la artista brasileña Raquel Brust. Retratos híper dimensionados de personas anónimas que se proyectan sobre elementos urbanos, en un diálogo con la arquitectura de la ciudad.

Gigantos es una proyección de fotografías híper dimensionadas de Raquel Brust. La artista brasileña utiliza la arquitectura de la ciudad como soporte para retratos de gran formato, en una acción que dialoga con el paisaje urbano e interacciona con el público. La propuesta es una fotografía activa, donde obra y espectador se confunden.

Cada Giganto utiliza a las personas como esculturas trabajadas por el tiempo, creando retratos cargados de emoción. Transformar personas en Gigantos es un proceso que exige intimidad y que pone en valor al individuo, su identidad y su memoria. El proyecto propone captar la potencia de las miradas y revelar las esencias de los retratados diluyendo barre­ras entre arte, antropología visual e intervención urbana. El proyecto fue premiado por la Secretaría de Cultura del Estado de São Paulo en 2008 y ha sido expuesto en PHotoEspa­ña.br (2013), los centros Sesc de Bertioga (2013) y Santana (2012); la Mostra São Paulo de Fotografía (2013), el TED@São Paulo (2012); los festivales Foto em Pauta (2012, Tiradentes) y Paraty em Foco (2011); y la galería Emma Thomas (2012), entre otros.

Raquel Brust vive en São Paulo, es graduada en Periodismo por la Universidad Pontificia Católica de Rio Grande do Sul y posgraduada en Fotografía por la Fundação Armando Álvares Penteado. Especializada en fotografía en cursos en las universidades Vale dos Sinos, Federal de Rio Grande do Sul y SENAC-RS, Brust trabaja también como directora de fotografía y cámara en los principales documentales de la productora Outros Filmes.

Elemento latente. Diez fotógrafos de América Latina

Claudia Aréchiga / Marlos Bakker / Alejandro Cegarra / Carolina Krieger / Gustavo Lacerda / Karina Muench / Elena Pastor/ Rómulo Peña / Stefan Schmeling / Mariza Versiani

Fechas: 5 junio – 27 julio

CAROLINA KRIEGER

Casa de América acoge trabajos de diez fotógrafos procedentes de Brasil, México y Venezuela. Sus obras han sido seleccionadas a partir de dos visionados de porfolios realizados por PHE en São Paulo y Caracas.

Con el fin de mostrar diferentes líneas estéticas, la exposición reúne el trabajo de diez fotógrafos procedentes de América Latina. Todos ellos sugieren historias, llaman la aten­ción sobre personajes desconocidos y se hacen preguntas sobre hechos que en primera instancia pasarían desapercibidos.

A pie de calle, Marlos Bakker reflexiona sobre el coche como lugar privado que a la vez expone al conductor y Stefan Schmeling muestra torres de vigilancia en São Paulo. Re­flexionando sobre realidades de otros ámbitos sociales, Alejandro Cegarra presenta un reportaje sobre un edificio ocupado en Caracas y Mariza Versiani aborda una serie so­bre trabajadores desde una perspectiva poética. Con cierto espíritu de denuncia, Karina Muench investiga feminicidios en Bolivia y Rómulo Peña trabaja sobre el alto índice de sui­cidios en un poblado de Venezuela. Gustavo Lacerda elabora cuidados retratos de albinos en Brasil y Elena Pastor genera un retrato de su padre a partir de sus posesiones perso­nales. Claudia Aréchiga muestra detalles de los momentos en que se asignan temas en el periódico en el que trabaja y Carolina Fóes materializa en imágenes un mundo en silencio.

La exposición resulta de los trabajos presentados durante los visionados de porfolios de Transatlántica llevados a cabo en el contexto del Festival PHotoEspaña.br en el Sesc Con­solação en São Paulo y en el Centro Cultural Chacao, Oficina Cultural de la Embajada de España en Venezuela-AECID y el CIEF en Caracas. Tras su exhibición en Casa de América, la muestra viajará a São Paulo, continuando la colaboración entre el Sesc y PHotoEspaña.

6.- (05) ESPACIO FUNDACIÓN TELEFÓNICA

Arissa. La sombra y el fotógrafo. 1922-1936

Fechas: 4 junio – 14 septiembre. Horario: 10 a 20 h

ANTONI ARISSA

Espacio Fundación Telefónica acoge la primera exposición antológica de Antoni Arissa, uno de los más destacados representantes españoles de la vanguardia fotográfica. Sus planteamientos fotográficos beben de los preceptos de la Nueva Visión y de autores de las corrientes fotográficas europeas de su época.

Antoni Arissa (Sant Andreu 1900 – Barcelona 1980) se inició en la fotografía a comienzos de la década de 1920 y la compaginó con su labor técnica en la imprenta familiar. Si bien en sus comienzos desarrolló temáticas costumbristas, su trabajo fue evolucionando hacia un estilo dinámico y desprovisto de los ornamentos y referencias simbolistas que tanto interesaron a los fotógrafos pictorialistas.

Arissa evolucionó pronto hacia una nueva visión, cercana a los planteamientos de la foto­grafía centroeuropea, caracterizada por la composición, la forma, la línea, el punto de vista y una iluminación que acentúa las cualidades y la intención de los objetos fotográficos. Este cambio se vio reforzado por su carrera como impresor y editor así como por sus conoci­mientos de tipografía. En ese terreno encontró el espacio necesario para el ensayo de sus herramientas visuales en la búsqueda de una fotografía personal y moderna.

Esta exposición está compuesta por más de 160 fotografías provenientes de las coleccio­nes de negativos preservados por Fundación Telefónica y el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya e incorpora los escasos tirajes efectuados por el autor que se conservan en papel. El proyecto culmina los esfuerzos de Fundación Telefónica en la recuperación de ar­chivos fotográficos, labor iniciada con el Archivo Fotográfico de la Compañía, que permite, en este caso, presentar al público la primera exposición antológica de Antoni Arissa.

7.- (14) REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO

Atrapar la vida. Eugeni Forcano. Fotografías 1960 – 1974

Fechas: 18 julio – 31 agosto. Horario: 10 a 14 y 17 a 20 h

EUGENI FORCANO

Eugeni Forcano, Premio Nacional de Fotografía 2012, es uno de los cronistas más des­tacados de la España de los últimos años de la posguerra y del franquismo. La exposición reúne 150 fotografías de sus trabajos más conocidos en blanco y negro así como de su obra experimental en color.

La larga y fértil trayectoria fotográfica de Eugeni Forcano es la de un autodidacta fascinado por su entorno. Su manera de trabajar, intentando atrapar los momentos que más le atraían, capturó imágenes con las que se puede narrar un periodo clave de la historia de España, el de los últimos años de la posguerra y del franquismo.

Por encima de todo, dentro de su obra destacan dos aspectos: la dimensión humana y los acontecimientos sociales. Las gentes de la ciudad y el campo son protagonistas de las obras que forman el corpus central de esta exposición, estructurada en once apartados dedicados a algunos de los temas que más le obsesionaron. Además de estas imágenes clave, la muestra no olvida su fotografía en color más experimental, con la que obtuvo sor­prendentes imágenes en las que se encuentran referencias al surrealismo y la abstracción. También incluye libros, revistas y el capítulo que le dedicó la serie documental La voz de la imagen.

Eugeni Forcano i Andreu (Canet de Mar, 1926) inició su trabajo fotográfico en 1959 y en 1960 se integró en el semanario Destino. En colaboración con su hermano creó los Estu­dios Forcano, dedicados al retrato, ilustración, moda y publicidad. Ha publicado en diver­sas publicaciones y ha creado libros como Guía de Barcelona (1964) y Festa Mayor (1969). En 2005 fue premiado con la Medalla de Oro de Barcelona y protagonizó la gran exposición antológica Eugeni Forcano. Fotografías, 1960-1996 (Lunwerg, 2006). En 2012 recibió el Pre­mio Nacional de Fotografía y la Creu de Sant Jordi de la Generalitat de Catalunya.

José Ortiz Echagüe Norte de África

Fechas: 5 junio – 27 julio

ORTIZ ECHAGÜE

Una amplia selección de retratos, paisajes y arquitecturas fotografiados por Ortiz Echa­güe durante sus viajes a Marruecos. La exposición revisa las series que anticipan la importante trayectoria de una de las figuras clave de la fotografía española.

José Ortiz Echagüe es una de las figuras más relevantes de la fotografía del siglo XX en España, un artista reconocido internacionalmente y clave por la singularidad de su trabajo, difícil de clasificar. Su obra comparte muchos rasgos con la fotografía pictorialista por el uso de técnicas pigmentarias, el cuidado de las composiciones y el tratamiento formal de sus imágenes. Al mismo tiempo, entendió su obra con un propósito documental, fotogra­fiando a los personajes locales en su entorno natural.

Norte de África revisa sus primeros trabajos, quizá los menos conocidos, realizados en el norte de Marruecos. Incluye tanto la fotografía aérea a la que dedicó buena parte de su tiempo, como retratos y paisajes en los que muestra las condiciones de vida y las tradi­ciones de los habitantes del Rif. La exposición pretende recordar el trabajo que dio origen a la obra madura del autor, clasificada en cuatro grandes series temáticas recogidas en los libros Tipos y trajes (1930), España, pueblos y paisajes (1939), España mística (1943) y España, castillos y alcázares (1956).

José Ortiz Echagüe (1886 − 1980) comenzó a realizar fotografías hacia 1898. En 1903 ingresó en la Academia de Ingenieros Militares de Guadalajara y tras ello sirvió en la Guerra del Norte de África. Obtuvo los carnés de Piloto de globos y de aviación en 1911. Empresario relevante, en 1923 regresó a España y fundó Construcciones Aeronáuticas. En 1950 creó Seat, la primera industria española de fabricación de automóviles en cadena. Abandonó la fotografía tras perder la vista a los 87 años.

8.- (04) COMUNIDAD DE MADRID / SALA ALCALÁ 31

Chema Conesa Retratos de papel

Fechas: 29 abril – 27 julio. Horario: 11 a 20,30 h

CHEMA CONESA

Chema Conesa radiografía la sociedad española de los últimos 35 años a través de sus protagonistas. Grandes personajes de todos los ámbitos como Pedro Almodóvar, Camarón, Miguel Deli­bes, Miquel Barceló, Francisco Umbral o Ferran Adrià.

Chema Conesa viene realizando desde hace más de treinta años una extensa biografía de España a través de sus retratos. Para él han posado tanto los protagonistas españoles de los más diversos campos como grandes personajes internacionales. Rafael Alberti, Francis Bacon, Eduardo Chillida, Ana María Matute, José Saramago, Leonard Cohen, Liza Minelli o Francis Ford Coppola son solo algunos de los iconos que ha enfocado su lente. Casi siem­pre en color y casi siempre con una pose que descubre otra manera de ver al personaje.

La exposición, organizada con motivo de la concesión del Premio de Cultura de la Comu­nidad de Madrid 2011 en la modalidad de fotografía a Chema Conesa, presenta más de cien obras en distintos formatos que cubren toda su trayectoria, desde las más íntimas a las más espectaculares. Junto a la exposición se publica un libro que recoge una extensa selección de su trabajo.

Chema Conesa (Murcia, 1952), periodista, fotógrafo y editor gráfico, es licenciado en Histo­ria del Arte, Imagen y Periodismo. Comenzó su carrera profesional en 1976 en El País, como fotógrafo y redactor. Ha sido jefe de Fotografía en el semanario El Globo, editor gráfico en El País Semanal y subdirector de Fotografía del Magazine de El Mundo. Dirige la Biblioteca de fotógrafos españoles PHotoBolsillo y es asesor de la Fundación World Press Photo. Ha comisariado exposiciones como Contactos de Ramón Masats y Lusofonías. Pisadas so­námbulas de Navia. En 2010 recibió el Premio Bartolomé Ros de PHotoEspaña a la mejor trayectoria española en fotografía.

9.- (03)  CÍRCULO DE BELLAS ARTES

               FUNDACIÓN BANCO SANTANDER

 La Palangana

Leonardo Cantero / Gabriel Cualladó / Sigfrido de Guzmán / Juan Dolcet / Paco Gómez / Fernando Gordillo / Ramón Masats / Francisco Ontañón / Joaquín Rubio Camín / Gerardo Vielba.

Fechas: 4 junio – 31 de agosto. Horario: 11-14 y 17-21 h.

GERARDO VIELBA

El colectivo La Palangana revolucionó la fotografía española a finales de la década de 1950, huyendo del academicismo y el pictorialismo imperantes

Esta exposición revisa la obra del grupo, que apostó por una concepción artística de la fotografía centrada en el hombre y su cotidianidad

La Palangana da nombre a un colectivo de fotógrafos surgido en 1959 en el seno de la Real Sociedad Fotográfica madrileña. Se trataba de un grupo de amigos que compartían las mis­mas inquietudes estéticas y teóricas. Sus intenciones eran, fundamentalmente, apartarse de los criterios academicistas y del pictorialismo fotográfico imperante, así como dar un testimonio veraz de la España de su tiempo mediante sus imágenes. Para ello dirigieron su mirada a la periferia de la ciudad y a los pueblos, una actitud insólita y casi subversiva. Desde sus distintas sensibilidades, estos fotógrafos plantaron la semilla de lo que hoy podríamos considerar un Neorrealismo español y, junto a otros nombres señalados, cons­tituyeron la llamada Escuela de Madrid.

Al grupo fundacional de La Palangana, constituido por Leonardo Cantero, Gabriel Cualladó, Paco Gómez, Ramón Masats, Francisco Ontañón y Joaquín Rubio Camín se le sumaron en dos etapas sucesivas Fernando Gordillo, Gerardo Vielba, Juan Dolcet y Sigfrido de Guzmán, al tiempo que algunos de los iniciadores se distanciaron del proyecto. El nombre del colec­tivo procede de una fotografía, incluida en la exposición, realizada por Francisco Ontañón. En ella vemos los retratos de los seis fundadores depositados en una palangana, un reci­piente que utilizaban para el líquido revelador. Esta exposición estudia este episodio clave y poco conocido de la historia de la fotografía española, ofreciendo una cumplida muestra de la obra de sus participantes.

Josep Renau The American Way of Life

Fechas: 4 junio – 27 julio

JOSEP RENAU

Josep Renau es una de las figuras más destacadas del fotomontaje y el cartelismo españoles

Esta serie, creada en su exilio mexicano, denuncia el imperialismo norteamericano y su estilo de vida

El artista valenciano Josep Renau destacó sobremanera en la técnica del fotomontaje. Vin­culado desde 1931 al Partido Comunista, su preocupación por la política y la influencia que recibió de movimientos artísticos como el expresionismo, el dadaísmo y el surrealismo le llevaron al convencimiento de que debía usar el arte como arma revolucionaria.

Al término de la contienda española se exilió en México donde, influido por la proximidad con los Estados Unidos, comenzó la serie Fata-Morgana. USA – The American Way of Life. En este trabajo critica la Guerra Fría, el capitalismo, el racismo o el militarismo, muy influen­ciado por el artista alemán John Heartfield y con la pretensión de lograr la mejora de las condiciones de vida del ser humano. Esta exposición reúne la serie completa, compuesta por 69 obras, y rescata un trabajo que, lejos de envejecer, cobra especial interés en la actualidad, tanto por el contexto de crisis socioeconómica como por su reflexión sobre la función social del arte y la cultura.

Josep Renau (1907– 1982), graduado en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos, fue direc­tor y fundador de Nueva Cultura y codirector de Verdad. Como Director General de Bellas Artes fue responsable de la salvaguardia del patrimonio artístico nacional durante la Gue­rra Civil. En 1937 participó en la realización del Pabellón de la Exposición Internacional de París encargando a Picasso la realización del Guernica. Tras años de exilio en México se instaló en Berlín Oriental en 1958 hasta su muerte y no regresó a España hasta la amnistía general de 1976.

Fotografía 2.0

Laia Abril / Pablo Chacón / Diego Collado / Manuel Fernández / Miguel Ángel García / Juana Ghost / Alejandro Guijarro / Albert Gusi / Roc Herms / Darius Koehli / Reinaldo Loureiro / Daniel Mayrit / Óscar Monzón / Noelia Pérez / Jordi V. Pou / Arturo Rodríguez / Txema Salvans / Miguel Ángel Tornero / Jon Uriarte / Fosi Vegue.

Fechas: 4 junio – 27 julio

NOELIA PÉREZ

Fotografía 2.0 reflexiona sobre las transformaciones de la fotografía española en un contexto de producción masiva de imágenes, globalización y poscapitalismo

Joan Fontcuberta ha seleccionado a una veintena de fotógrafos nacidos a partir de 1970 que han interpretado críticamente la nueva situación.

Las primeras generaciones de fotógrafos se desarrollaron con la cultura visual de la pintu­ra, otras tomaron el cine como referencia, las siguientes lo hicieron con la TV y finalmente ha irrumpido Internet como universo formateador del imaginario contemporáneo. Un uni­verso caracterizado por un flujo de imágenes infinito.

Esta producción masiva de fotografías puede considerarse como un efecto del pos capita­lismo y de la globalización que viene propiciado por una sucesión de innovaciones tecno­lógicas y culturales. El nuevo contexto ha trastocado las reglas de juego de la imagen. Los valores de la fotografía “sólida” que respondían a la cultura tecno-científica y a la economía industrial del siglo XIX son sustituidos por los de una fotografía “líquida” basada en la cultu­ra de lo virtual y en las economías de la información del siglo XXI.

Fotografía 2.0 pone de relieve estas transformaciones tomando como caso de estudio el ámbito español, en un momento en que se surge una oleada de jóvenes fotógrafos capaces de interpretar críticamente la nueva situación. La exposición se estructura en tres aparta­dos. El primero se ocupa de aspectos como la banalización del acto fotográfico, la vorágine de los reality shows, el voyeurismo exacerbado y la pérdida de intimidad. El segundo atañe a las formulaciones de identidad social, a las narrativas biográficas, a las ficciones perso­nales a la luz de las nuevas herramientas digitales. El último apunta al “inconsciente tec­nológico” de la posfotografía, a los accidentes y fisuras que son reciclados artísticamente para desplegar un vocabulario estético innovador.

Alberto García-AlixAutorretrato

Fechas: 31 julio – 28 septiembre

ALBERTO GARCIA-ALIX

Todas las caras de Alberto García-Alix en su exposición más personal y autobiográfica. Una muestra que se centra en sus trabajos más autorreferenciales, desde finales de los años 70 hasta la actualidad

Autorretrato no pretende ser un diario de Alberto García-Alix ni supone un ejercicio egocén­trico. El concepto de autorretrato es para él muy amplio ya que abarca una gran parte de su obra en la que se considera reflejado. Es difícil encontrar en su trabajo alguna pieza que no sea intensamente autorreferencial y podría decirse incluso que toda su obra, en conjunto, forma un gran autorretrato. La muestra recorre su trayectoria desde los primeros autorretra­tos realizados a finales de los 70 hasta la actualidad. Un ejercicio continuo de búsqueda y experimentación sobre sí mismo y su vida. La exposición incluye también su obra en vídeo más autobiográfica hasta la fecha De donde no se vuelve.

Alberto García-Alix (León, 1956) ha recibido los principales premios españoles en reco­nocimiento a su carrera: Premio Nacional de Fotografía (1999), Premio de Fotografía de la Comunidad de Madrid (2004) y Premio PHotoEspaña (2012). Su obra también se ha desa­rrollado en Francia y China, donde ha trabajado y residido. Desde 1981 ha realizado nume­rosas exposiciones entre las que destacan las de Les Rencontres Internationales d’Arlès y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Ha publicado una docena de libros de fotografía y ha firmado vídeos de creación donde palabra e imagen se fusionan. Su faceta de escritor se refleja en la publicación de cerca de 50 textos ensayísticos, relatos y cuentos en prensa diaria, revistas culturales y libros de imágenes. Como editor creó la revista de culto El canto de la tripulación y codirigió la colección Los Libros del Cuervo.

Navia Nóstos

Fechas: 4 junio – 28 septiembre

NAVIA

Navia expone su obra más personal, que pivota alrededor del viaje, la memoria y el territorio. Una exposición que recorre doce años de trabajo de un autor que ha hecho del viaje su oficio y vocación.

Nóstos es un proyecto que nace fruto de más de doce años de trabajo. En él, el fotógrafo reflexiona acerca del viaje esencial que es la propia vida y, tras haber hecho del viaje su oficio y vocación, comparte con el espectador su visión del mundo. El nombre de la muestra y del libro que la acompaña –editado por Ediciones Anómalas– proviene de la definición del término griego Nóstos, que remite a los conceptos de vuelta a la patria, regreso, viaje, camino, salida y posibilidades de regreso.

El trabajo se apoya en tres conceptos fundamentales: el territorio, sobre el que se verifica todo proyecto fotográfico; el viaje, que lleva a ese territorio; y la memoria, que da sentido al territorio y lo humaniza. Navia llena este viaje de imágenes a la manera en que un escritor usa las palabras. Su intención es que el espectador vea el mundo reconociéndolo más que descubriéndolo y con el propósito de que ese mirar suponga un regreso al origen, un encontrarse a sí mismo.

Navia (Madrid, 1957) empezó a trabajar como fotógrafo freelance en 1987. Perteneció a la agencia Cover y desde 1992 es miembro de Vu’. Ha sido editor gráfico de El País Sema­nal y ha colaborado con el Magazine de La Vanguardia, la edición española de National Geographic, GEO y La Repubblica. Su trabajo más personal se desarrolla en libros como Photobolsillo, Pisadas sonámbulas: lusofonías, Marruecos, fragmentos de lo cotidiano, Territorios del Quijote, Ciudades Patrimonio de la Humanidad, Un Madrid literario, o éste último, Nóstos.

10.-  (10) MUSEO ICO

Fotografía y arquitectura moderna en España, 1925-1965

Fechas: 4 junio – 7 septiembre. Horario:11 a 20 h.

FERNANDO HIGUERAS

El Museo ICO presenta una muestra que pone en valor el papel disciplinar de la fotogra­fía en el contexto de la arquitectura española de la modernidad. La exposición reúne más de 200 fotografías de cerca de cuarenta fotógrafos entre los que se encuentran Kindel, Català-Roca, Pando o Paco Gómez.

Fotografía y Arquitectura Moderna en España, 1925-1965 nace de un proyecto de investi­gación en desarrollo y presenta, por primera vez y de forma explícita, un acercamiento al papel de la fotografía en la modernidad arquitectónica española. Se establece como marco temporal flexible aquellas décadas que la historiografía de la arquitectura española seña­lan como específicas de lo que se denominó el Movimiento Moderno: desde la irrupción de las vanguardias a mediados de la década de 1920 hasta la crisis del Estilo Internacional a finales de la década 1960.

La muestra –que reúne a más de 40 fotógrafos y arquitectos– aparta las fotografías de su contexto y finalidad –la difusión de la arquitectura– para valorarlas en sí mismas desde la óptica de la disciplina fotográfica y la aportación de los fotógrafos. Como ocurre en el con­texto internacional, también en España se produjo un flujo intenso de trabajo y cooperación entre fotógrafos, arquitectos y medios de comunicación que contribuye a poner en valor la mirada de los primeros. Junto a los más conocidos y prolíficos como Català-Roca, Kindel, Pando o Gómez, la exposición presenta el trabajo de cerca de profesionales que retrataron la arquitectura española de la modernidad. El interés de los arquitectos por la fotografía, sus retratos y los medios de difusión arquitectónica son otros de los temas que trata esta muestra, que pretende sentar en el debate interdisciplinar las bases de una reflexión sobre el papel de la fotografía y los fotógrafos en esta temática particular y en su propia autono­mía disciplinar.

RECORRIDOPHE14

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