El pasado sábado realizamos un pequeño reportaje de la I Canicross de Utebo, aprovechando la ocasión para entrevistar a uno de sus participantes noveles que nos contó de primera mano su experiencia en esta su primera carrera como amater.
I CANICROSS UTEBO
Utebo – Zaragoza 20180408.- ¡Hola! me llamo «Capy», y os voy a contar mi experiencia en este I Canicross de Utebo, organizado por la Asociación protectora de animales, Sonrisa Animal de Utebo.
La noche anterior apenas pude dormir pensando en la carrera, si podría o no podría, participar y terminar en condiciones. Era la primera vez que corría, deportivamente hablando, claro. Madrugue como de costumbre, un paseo y un desayuno ligero, estiramientos aparte para desentumecer las patas, al tiempo que veía como el día amanecía gris, algo fresco y con amenaza de lluvia, pues había estado lloviendo toda la noche sin parar.
Llegada la hora de arreglarse, un cepillado rápido, colocado el arnés y preparada la línea de tiro (correa con una parte elástica que atenúa los tirones al correr) y el cinturón lumbar para mi runner, solo queda decidir que llevar en la mochila: botella de agua para calmar la sed, un plato plegable, un poco de comida y chuches para reponer fuerzas, bolsitas wc, un chubasquero y una toalla para poder secarme, es todo lo necesario para esta singular aventura, aparte de la documentación correspondiente en regla.
El viaje en coche resulto corto pero intenso, concentrado más bien diría yo, en la carrera. Al llegar, salí corriendo, «que estrés», allí me esperaba Isabel, mi «Tita» que iba a ejercer de runner para la ocasión y de la que, ya no me separaría hasta terminar. De camino al Espacio Joven pudimos ver el estado en el que se encontraba el circuito, a pesar de la modificación de urgencia practicada, mientras pensaba que me iba a mojar la barriguita.
Ya en la zona de control, pude ver algunos conocidos con los que ladrar y jugar un poco. Mientras, las organizadoras ponían orden; unos al fotocall, otros al chequeo previo veterinario, donde por cierto coincidí con mi amiga, la veterinaria que me inscribió en el censo canino.
Solo faltaba ya, esperar el comienzo de la carrera. Andábamos todos un poco nerviosos por salir a correr esos cuatro kilómetros, o lo que es lo mismo, dar tres vueltas al circuito preparado. A la vista de las aptitudes de algunos participantes y teniendo en cuenta mi tamaño y experiencia, decidí, mejor colocarme junto a «África» al final de carrera y ejercer juntos a modo de farolillos rojos, por si alguno andaba desanimado, despistado o sin fuerzas para continuar. Aún así no deje de tirar de mi runner en todo momento, dejando que los «runnercan» nos adelantasen a la voz de ¡Paso! por la izquierda sin cruzarnos en su camino, hasta nos hicieron una entrevista en Aragón TV, acompañándonos en la recta final, antes de entrar en meta. «Lo importante es participar, siempre por los compañeros».
Al terminar, descansamos y repusimos fuerzas buscando esos magníficos bocados olvidados, resultantes de las tapas solidarias, mientras veíamos correr a otros compañeros con nuestros amigos los más pequeños.Finalizadas las carreras, todavía quedaba el reparto de regalos, el pódium de vencedores, los talleres didácticos, el sorteo de regalos y porque no en un descuidado momento de gloria, posado en la tribuna de vencedores con parte de mi familia peluda «Xena, Bimba, y Pol», a modo de despedida para regresar a casa, cansado pero feliz de volver a ese mi rincón especial de los sueños, del que no me despegaría hasta bien entrada la tarde.
Un año más proponemos un viaje por Europa en imágenes, catorce horas y un cuarto, sin parar por la metrópoli PHOTOESPAÑA16 – Madrid, un trayecto por la cultura del arte de grabar con luz, contado en color o en blanco y negro, según se mire. Un recorrido por dieciocho exposiciones para disfrutar en compañía o en aislada concentración, de ese mundo real, a veces imaginado pero siempre mágico que es la fotografía. Decir que algunas de las mostradas se encuentran fuera del festival, más por su interés y localización creemos justificada su visita. Esperando cumplir con el programa propuesto a tal fin, sin menoscabo de otras no menos interesantes que ver, esta es nuestra propuesta.
Pedro & Marga
Humanismo y subjetividad en la fotografía española de los años 50 y 60.
El caso Afal
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
A principios de los años cincuenta, comenzó a desarrollarse en España una fotografía inspirada en las tendencias internacionales del documental neorrealista y del reportaje humanista. Dentro de este panorama, destacó la rica actividad del grupo Afal, un colectivo de fotógrafos desarrollado en torno a la revista del mismo nombre, dirigida por José María Artero y Carlos Pérez Siquier entre 1956 y 1963.
Gracias a la ampliación de la presencia de los protagonistas de esta generación en los fondos del museo y a la reciente donación de Pérez Siquier, esta muestra presenta una selección que profundiza en Afal y que atiende a la internacionalización de los fotógrafos de ese periodo, analizando sus diversos intercambios con otros colectivos.
Por otra parte, y fruto de una donación de sus herederos, se subraya la figura de Leonardo Cantero y su participación en la exposición Once fotógrafos españoles a París (1962).
La Real Sociedad Fotográfica presenta una exposición conjunta con fondos de su fototeca que muestra imágenes que representan los inicios de la fotografía documental y singulares retratos introspectivos e intimistas realizados por el padre, Juan Dolcet, destacado integrante de la Escuela de Madrid; la experimentación moderna de Elías Dolcet como partícipe en el aire renovador que supuso la llegada de Nueva Lente y su pertenencia a la Quinta Generación; así como el testimonio de la movida madrileña a través de las imágenes de Juan Carlos Dolcet.
Vivian Maier, Street Photographer (fotógrafa de calle)
Fundación Canal
Primera gran exposición de Vivian Maier (Estados Unidos, 1926-2009), la niñera autodidacta que, tras su muerte, se convirtió en referente mundial de la fotografía. La muestra incluye un total de ciento veintiséis fotografías y nueve películas en super-8 que captan magistralmente el ambiente urbano de Nueva York y Chicago de la segunda mitad del siglo xx.
En su tiempo libre como niñera, creó una realidad paralela y secreta abriendo una fascinante ventana a la vida cotidiana en los espacios públicos. Consiguió acumular más de dos mil rollos de película sin revelar, cinco millares de fotografías impresas y más de ciento veinte mil negativos que, aparte de ella, prácticamente nadie más contempló durante su vida. Maier murió en 2009 sin saber que su secreta pasión, la fotografía, la sacaría del anonimato hasta convertirla en una enigmática y fascinante figura y en la fotógrafa de calle por excelencia.
Cristina de Middel (Alicante, 1975) es una de las artistas más relevantes de la fotografía española contemporánea. En 2012 publicó su libro Afronautas, una reacción a las limitaciones del lenguaje documental a la hora de describir y explicar el mundo. La relación entre la fotografía, la realidad y la verdad, junto con el papel que los medios de comunicación juegan en ella, se situó en la proa de sus inquietudes artísticas.
En esta exposición, la artista tiene como objetivo compartir sin filtros lo que estos años han dado de sí con respecto a la producción y repetición de copias fotográficas de exposición que difícilmente encajan con las bases del mercado y el coleccionismo. Las imágenes de la serie «Muchismo» son todas las copias de su inventario con todas las variaciones y adaptaciones que responden a ferias, planos de sala y comisariados. Con esas imágenes contó sus historias, y ahora, como si fueran palabras en una frase, juega con ellas y las redescubre.
Muy pocos conocen su nombre. Sin embargo, su legado fotográfico es el testimonio en primera persona de una etapa clave del siglo xx: la crónica gráfica y social del franquismo y de los inicios de una nueva democracia.
Juana Biarnés (Terrasa, 1935) es considerada la primera fotoperiodista de España. Fue la mujer que supo colarse en el avión y en el hotel de los Beatles para conseguir una exclusiva histórica y cuya cámara retrató a los grandes personajes que marcaron la historia de las décadas de 1960 y 1970: Jackie Kennedy, Louis Armstrong, Marisol, Yul Brynner, Dalí, Jack Lemmon, Orson Wells o Roman Polanski, entre otros muchos.
Así es como se inmiscuyó en un mundo de hombres para conseguir unas imágenes que destilan proximidad y sinceridad, sin artificios innecesarios. Por no hablar de su persistencia en conseguir «la foto», la imagen que sobresalía y debía explicarlo todo, como siempre le aconsejaba su padre. Una tenacidad necesaria para alguien que nadó a contracorriente.
Juana Biarnés Rocío Durcal.
Rodaje de Las Leandras, de Eugenio Martín / Rocío Durcal.
Exposición dedicada al fotógrafo japonés Hiroshi Sugimoto. La muestra, bajo el título de Hiroshi Sugimoto. Black Box, nos propone un recorrido por algunas de sus series más destacadas y nos invita a conocer el trabajo que el artista está realizando actualmente.
Este artista multidisciplinar, afincado en Nueva York desde la década de los setenta, trabaja con la escultura, la arquitectura, la instalación y la fotografía, siendo considerado en este último campo como uno de los más importantes autores de la escena internacional.
La muestra reúne 41 obras de gran formato que permiten recorrer los últimos cuarenta años de trabajo del artista.
Cinco grandes series
La exposición se articula en cinco secciones, dedicadas a las cinco grandes series del artista que podrán contemplarse en ella: Seascapes [Paisajes marinos] (1980- ), Portraits [Retratos] (1994-1999), Theaters [Cines] (1976- ), Dioramas (1976-2012) y Lightning Fields [Campos de relámpagos] (2006-).
Sus obras se caracterizan por una gran belleza visual y un elevado virtuosismo técnico. El fotógrafo ha logrado reinterpretar algunos de los géneros más característicos de la tradición fotográfica clásica, rechazando la tecnología digital en favor de métodos tradicionales.
En conjunto, la obra de Hiroshi Sugimoto constituye una profunda meditación en torno a la naturaleza de la percepción, la ilusión, la representación, la vida y la muerte.
José A. Figueroa. Und Jetzt? (¿Y ahora qué?)
Casa de América
Todas las fotografías que José A. Figueroa (Cuba, 1946) tomó en Berlín entre mayo y julio de 1990, agrupadas bajo el título Und Jetzt?, fueron hechas desde el lado este del muro, una zona que sentía todavía segura según las leyes migratorias vigentes entonces para los cubanos. Casi todas las imágenes versan sobre «el muro», ese protagonista que se desmoronaba frente a sus ojos tan rápidamente como fue construido. Las pocas personas que aparecen en sus fotografías sugieren solo sus estados de ánimo: soledad, dolor, curiosidad, temor, osadía.
Movido por una mezcla de respeto y consternación, Figueroa decidió no usar sus cámaras profesionales —como lo hacían cientos de fotógrafos del mundo en esos días—, sino utilizar una cámara compacta para turistas. Fotografió sin perturbar a nadie. Fue así como registró ese momento histórico: inmerso en una circunstancia que sintió también suya.
Und Jetzt? es un ensayo hecho desde la perspectiva de un cubano que abrió una interrogante aún no respondida. ¿Y ahora qué?
Cartografías íntimas, un acercamiento a las relaciones interpersonales
Casa América
La cartografía y la fotografía se parecen: ambas parten de la realidad y evocan algo que es real. Sin embargo, esta representación no es exacta, está mediatizada. Dependiendo de la técnica y medios utilizados, la imagen será más o menos subjetiva. El momento fotográfico de una captura remite a un lugar, a una persona o situación entre personas en particular.
Partiendo de esta premisa, las fotografías incluidas en este ensayo visual tienden a guiar y dirigir la imaginación del espectador, a evocar lugares y emociones. Estas evocaciones buscan ese momento que trascienda más allá del mismo, que deje una impronta que dure toda una vida y que, al mismo tiempo, pertenezca a una geografía específica.
Los fotógrafos representados en esta muestra son una selección de los visionados de porfolios realizados en noviembre de 2015 en el Centro Cultural de España en México y en el Centro Cultural de España en Santiago de Chile dentro del foro «Trasatlántica».
Rostros. Fotografía de retrato en Europa desde 1990
CentroCentro Cibeles, Ayuntamiento de Madrid
El retrato fotográfico cuenta con una larga historia a la hora de documentar y crear identidades. Las obras seleccionadas para esta exposición —que reúne los retratos realizados por más de treinta fotógrafos en diferentes lugares de Europa— se enmarcan dentro de la tradición europea de la representación individual o colectiva.
Utilizando como punto de partida la caída del muro de Berlín —y, en un sentido más amplio, la desaparición del telón de acero—, la muestra tiene como objetivo provocar una confrontación con uno mismo a través de la observación de los diferentes rostros: contemplarlos es como introducirse dentro de un espejo para lograr un compromiso entre la cercanía y la distancia, fomentando la empatía con nuestros semejantes.
De este modo, Europa se nos descubre por medio del individuo, de fotografías, historias personales e identidades particulares que reflejan la personalidad europea, tan variada y heterogénea.
El Consejo General de la Abogacía Española organiza esta exposición que visibiliza la crisis de los refugiados y acerca al visitante a la realidad de millones de personas obligadas a hacer la maleta y a iniciar un viaje sin destino, abandonando todo.
Organizada en torno a 11 maletas, la muestra cuenta con la colaboración de diez organizaciones –ACCEM, ACNUR, Amnistía Internacional, Caritas, CEAR, Cruz Roja Española, Oxfam Intermón, Proactiva Open Arms, Save the Children y UNICEF– y el testimonio personal de Mónica Bernabé, Nicolás Castellano, Ángel Expósito, Helena Maleno, Lorenzo Milá, José Naranjo, Jorge M. Reverte, Cristina Saavedra, Natalia Sancha, Gervasio Sánchez, Lorenzo Silva y Jon Sistiaga.
Cada maleta es la historia de una persona o de una familia de refugiados, facilitada por cada una de las ONGs –su retrato, el mapa del recorrido de su viaje, sus objetos más personales, sus deseos…–. Una de ellas, la maleta número 11, es la de una refugiada española de hace 70 años, lo que nos recuerda que un día muchos españoles también fueron refugiados.
Concentrador de arquitectura, ciudad y pensamiento
CentroCentro Cibeles
Concentrador de arquitectura, ciudad y pensamiento es un nuevo ciclo expositivo dentro de la sección dedicada a la arquitectura en CentroCentro, comisariado por Inés Caballero. En él se reúnen y se de visibilidad a contenidos, lenguajes y valores ocultos sobre la arquitectura de la ciudad de Madrid que existen en sus archivos históricos, legados profesionales, trabajos académicos, publicaciones especializadas y catálogos culturales.
La serie de cuatro exposiciones del ciclo irá conectando y construyendo un gran repositorio en el que acumulará un imaginario de la ciudad, mediante el que observar su presente, entender su pasado y diseñar su futuro. Un gran archivo de archivos de contenido informativo, histórico y emocional.
Arquitectura y Resistencia. Nicolás Combarro
Fotovoz Villaverde
Un estudio participativo sobre la alimentación a través de la fotografía
CentroCentro Cibeles
Esta exposición muestra los resultados de Fotovoz Villaverde, un proyecto absolutamente innovador en salud urbana que desarrollan Madrid Salud y la Universidad de Alcalá.
El fotovoz es un método de Investigación Acción Participativa que utiliza la fotografía como herramienta para capturar y reflejar las fortalezas y preocupaciones de la comunidad, promoviendo la reflexión crítica a través de discusiones colectivas sobre las fotografías hechas por la por la propia comunidad, e informa a los decisores políticos en el diseño de intervenciones.
Durante 5 meses los vecinos y vecinas de los barrios de Los Rosales y San Cristóbal han protagonizado el estudio tomando fotografías de su entorno alimentario y debatiendo en sesiones grupales sobre los mensajes que querían transmitir con sus fotos.
Gracias a la estrecha colaboración entre el equipo de investigación del proyecto Heart Healthy Hoods, el Centro de Madrid Salud Villaverde, y el Ayuntamiento de Madrid, este estudio se puso en marcha con el objetivo de realizar un diagnóstico comunitario de los factores del entorno de Villaverde relacionados con la alimentación y la obesidad. Este proyecto ha sido cofinanciado por la Fundación Mapfre y sus becas de Investigación 2015.
Los participantes destacaron la diversidad cultural, el envejecimiento, la pobreza y la crisis económica, el comercio de alimentación, las relaciones sociales y comer con moderación como factores claves para entender los barrios y la alimentación y para mejorar la alimentación en una ciudad.
Foto: Juani Moreno
Los carteles del 15M – 148 mensajes compartidos
CentoCentro Cibeles
CentroCentro presenta el proyecto fotográfico Los carteles del 15M. 148 mensajes compartidos. Un testimonio del 15 de mayo de 2011 y las semanas que lo siguieron en la Puerta del Sol de Madrid, a través de los carteles y las pancartas que se colgaron en la plaza, recogido en una publicación gratuita.
El 15M entre muchas cosas fue un estallido de mensajes, tipografías, soportes e idiomas, de creatividad, humor, crítica política personal y colectiva. Los discursos salieron a la vía pública liberados, heterogéneos, felices de ser anónimos y de todos. Indignada y a la vez empoderada, la palabra volvió a la gente. Aquellos miles de carteles hechos a mano ofrecieron un diagnóstico político-social sobre la crisis económica y sus consecuencias sobre la ciudadanía.
Carteles hechos con papel higiénico, cartón, en post-its o servilletas…cualquier soporte sirvió para lanzar mensajes urgentes, encendidos de una ciudadanía que pedía ser escuchada. La heterogeneidad de los mensajes era la de las personas que ocuparon la plaza. Reivindicaciones y organización, logística, llamadas al orden, carteles que tendían puentes con las revoluciones precedentes del mundo árabe, juegos poéticos, visuales, citas con guiños a referentes culturales… En la Puerta del Sol crearon un espacio vivo, un gran muro de mensajes compartidos, descentralizados y liberados de siglas.
Tras los pasos de Inge Morath. Miradas sobre el Danubio
Fundación Telefónica
Proyecto expositivo fotográfico y documental que rinde homenaje a la figura de Inge Morath (Suiza, 1923 – Estados Unidos, 2002), una de las primeras mujeres fotógrafas en entrar en la agencia Magnum Photos. Empezó a fotografiar en 1951, y fue asistente de Henri Cartier-Bresson entre 1953 y 1954. Con treinta años, inició su mítico trabajo fotográfico sobre el Danubio, que tuvo que finalizar a partir de la década de 1990 por no poder acceder a ciertos países a causa del Telón de Acero.
En verano de 2014, ocho jóvenes fotógrafas, de diferentes nacionalidades y reconocidas con el premio de fotografía Inge Morath, trazaron el mismo itinerario que esta pionera de la fotografía documental, desde el nacimiento del Danubio, en Alemania, hasta su desembocadura en el mar Negro, Rumanía.
La exposición recoge imágenes de los viajes llevados a cabo por Morath entre 1955 y 1990, así como los trabajos realizados por las ocho fotógrafas en un trayecto de 2.800 kilómetros.
La idea original del proyecto es de 4 de las 8 fotógrafas: Claire Martin, Emily Schiffer, Olivia Arthur y Lurdes R. Basolí.
MontpellierLouise Dahl-Wolfe (1895-1989) es una de las grandes fotógrafas estadounidenses. Modernizó la fotografía de moda de su tiempo y el retrato hollywoodiense, y su obra tuvo un gran impacto en la cultura visual americana. Sus imágenes compitieron con las de prestigiosos fotógrafos de la época, como Edward Steichen, e influyeron en otros como Richard Avedon.
El grueso de su carrera lo desarrolló en la revista Harper’s Bazaar entre 1936 y 1958, años en los que trabajó junto a un equipo excepcional que supo dejar libertad y estimular a la artista, y que colocó a la revista en un lugar central entre las publicadas en esa época.
Esta exposición —la primera muestra individual organizada a la artista fuera de Estados Unidos— cubre todas las etapas de su producción fotográfica: retrato, desnudo y fotografía de moda en blanco y negro. Entre su nómina de retratados figuran personalidades de la época como Vivien Leigh, Marlene Dietrich, Orson Welles o André Malraux, entre otros muchos.
Center for Creative Photography, Arizona Board of Regents Cortesía de Staley-Wise Gallery, New York
Federico Clavarino. The Castle (El castillo)
Círculo de Bellas Artes / Sala Minerva
Por encima de un grupo de naciones o un área geográfica, Europa puede ser entendida como una idea o un conjunto de ideas. Su imagen expresa la historia de una parte considerable de la humanidad, desde los tiempos más antiguos hasta el día de hoy. Este proyecto busca encontrar las huellas que estas ideas dejan sobre la superficie de los objetos e individuos de Europa, en los muros de sus ciudades, en las vitrinas de los museos o en las barreras que se alzan para definir y defender los confines de sus territorios.
The Castle es un edificio construido por imágenes dividido en cuatro capítulos. El primero simboliza el mito fundacional: los eventos que conducen hacia el ordenamiento de la Europa contemporánea. La segunda parte analiza cómo se articulan el poder y la autoridad presentes en las bases de las sociedades europeas. El tercero, explora el edificio resultante y evidencia sus elementos de separación y control. Finalmente, el cuarto y último capítulo es una profecía y un llamamiento al mismo tiempo.
Transiciones. Diez años que trastornaron Europa. Colección Motelay
Círculo de Bellas Artes / Sala Picasso
En 1979, Margaret Thatcher es elegida primera ministra del Reino Unido; en 1989, se derriba el muro de Berlín. Diez años que trastornaron Europa, paradójicos y caracterizados por su apertura, por una capacidad de innovación traducida en el desarrollo vertiginoso del sector bancario; pero también por el incremento del desempleo y el desmantelamiento del estado providencial nacido en la posguerra.
En Gran Bretaña, una expresión tomada de una canción de 1977, se escucharía durante mucho tiempo: no future, cuya resonancia académica tuvo lugar en Estados Unidos con el artículo «The end of History», de Francis Fukuyama, escrito doce años más tarde para develar cómo el advenimiento de la democracia liberal occidental era el punto final de la evolución sociocultural.
Al cabo de estos años de transición, cesó el enfrentamiento entre las dos superpotencias, la crisis económica entró en la vida de las personas y desaparecieron los límites entre la fotografía y las demás manifestaciones.
La obra de Andrea Robbins y Max Becher gira en torno a lo que ellos mismos denominan «lugar transportado»: situaciones en las que un lugar muy concreto es enormemente similar a otro muy lejano, pero, no obstante, es aceptado como genuinamente local. Se trata de escenarios ligados a fenómenos de gran calado, como el colonialismo, las migraciones, los genocidios o la esclavitud, pero también a otros como el turismo y los medios de comunicación de masas.
Sus series fotográficas, acompañadas por breves textos que explican las situaciones reproducidas, no pretenden constituir documentos periodísticos, sino más bien conducir al espectador a una «lectura» minuciosa de las mismas. La exposición Robbins & Becher. Desplazamientos muestra sus últimos veinticinco años de trabajo, con series como «Colonial Remains», «German Indians», «Global Village», «770», «The East’s West» y «Black Cowboys».
El día 31 de mayo se celebrará un coloquio moderado por Eva Schmidt, directora del Museum für Gegenwartskunst Siegen, que contará con la presencia de los autores de la muestra.
Andrea Robbins y Max Becher, 770: El 770 original, Eastern Parkway Brooklyn, Nueva York (EE.UU.)
Cristina de Middel (Alicante, 1975) comenzó el proyecto «Antipodes» en Nueva Zelanda en 2013. Al fotógrafo que viaja al otro extremo del mundo parece que no le queda más opción que disparar al majestuoso entorno en el que se ve envuelto. De este modo, la fotografía de paisaje le hace poca justicia al paisaje en sí: lo aplana, le resta dimensiones y sensaciones.
Este trabajo trata de devolver la profundidad al paisaje añadiendo confusión y mirando a través de dos espejos: el de la cámara y el que invierte la toma, situado frente a la lente.
Cristina de Middel Mapa 09. De la serie «Antipodes» / Map 09
Por octavo año consecutivo, Teruel se transforma durante treinta y dos días, contendiendo con los rigores climáticos, propios de la temporada en capital de acogida para aquellos amantes de la fotografía que la visitan. Sus calles, sus plazas, sus exposiciones y actividades relacionadas, se convierten por unos días, en originales platos, donde los improvisados fototoperiodistas pueden ver y tomar imágenes, ora pescadas, ora cazadas o lo que es lo mismo, callejear en blanco y negro al más puro estilo Henri Cartier-Bresson, observando algunas de las habilidades mostradas por los artistas invitados en sus exposiciones y conferencias.
El Festival Internacional de Fotografía – Teruel Punto Photo 2015 “Cazador o Pescador” esta dedicado este año a la fotografía callejera. 16 exposiciones, tres de ellas efímeras, 2 “Quedadas fotográficas”, la realización del proyecto Fotocine (foto fija de escenas de película con decorados turolenses) y un fin de semana académico, son algunas de las actividades programadas por el apasionado grupo de aficionados que integran la Sociedad Fotográfica Turolense.
Desde la proyección del documental, “La Caja de Cerillas” de David Airob (vida y trayectoria de un fotoperiodista guerrero), hasta la presentación de Carlos Navarro, “Pescando Historias en la Fotografía”, recuperando imágenes de ese Teruel olvidado, cinco especialistas en fotografía de calle, nos hablaron de su particular estilo a la hora de realizar esas sorprendentes instantáneas que pudimos contemplar en otras tantas exposiciones:
Joan Guerrero con “Palabras e imágenes de un Viejo Guerrero”.- Fotógrafo pasional al encuentro de esa historia oculta detrás de cada fotografía, donde primero es la persona y después el fotógrafo. Maestro de los ojos de los pobres y de las manos que hablan. Cuantos zapatos habrá roto en su búsqueda. Escuela de Arte de Teruel, “Zapatos Rotos”. Joan Guerrero – Entrevista Diario de Teruel
Alejandro Alcazar con “Así piso la calle”.- Fotógrafo urbano, cámara en mano con estrategias propias de comunicación urbana. Localización de personajes, ajuste del equipo, llamar la atención y no mirar al personaje, entre otros. Espacio Luvitien, “Pisando la Calle”.Alejandro Alcazar – Alalba16
Alberto Bort y Josep María Lombart con “Atrapar un instante con la mirada”.- La fotografía de calle realizada con el corazón y el alma, sin importar la técnica pero sin olvidarla. Cámaras silenciosas con ISO alto, componiendo con creatividad antes de hacer la fotografía, destacando el factor humano de la imagen para crear historias. Ambos forman uno de esos equipos a los que no se les escapa ni una. Torre del Salvador, “Futuro Imperfecto” y Claustro del Obispado, sin titulo; todo un tratado psicosocial del mundo suburbano. José María Lombart Gil – Fotógrafo – Alberto Bort – Jendrix56
Eduard Francés con “Fotografía Callejera”.- Atrevido fotógrafo, al que le gusta fotografiar sin camuflajes, cámara al ojo, observador y selectivo en el encuadre, las luces y las sombras. Apasionado por la fotografía analógica y el revelado tradicional, no ve el color y trabaja en blanco y negro. Cámara de Comercio, “La Otra Mirada”.Eduard Francés – Street Photographer
Si asistir a las ponencias de estos maestros de la fotografía urbana, anima a tomar la cámara y salir a la calle a fotografiar aquello que tiene “ese que se yo, tan cercano, trasladando esa historia a la imagen hurtada”, compartir por unas horas con la complicidad que da la amistad de los que se acaban de conocer, no lo es menos. Ver en directo como trabajan la street photography por las calles, plazas y locales públicos de Teruel, conversar con ellos, preguntar y comentar sus trabajos en aquellas exposiciones que por horario permanecían cerradas y fueron abiertas especialmente para nosotros por los compañeros de la AFT, haciendo una vez más gala de su hospitalidad.
Así pudimos ver “Momento Justo” de Chema Sánchez.- Serie de oportunas imágenes, discretamente documentadas por Isabel González, “15 Años de Historias de Teruel”.- Fotografías de prensa del Diario de Teruel, o la de Walter Astrada “Geografía de la Violencia”.- Impresionantes documentos gráficos que hablan por si solos. Chema Sánchez Fotografía – Walter Astrada
Aún con todo por desventura de tiempo, todavía se quedaron algunas exposiciones inexcusablemente por ver. Tema este, que andamos pendiente de solucionar, al fin y al cabo solo estamos a hora y media de camino, según se mire. A: Joan, Alejandro, Alberto “Jendrix”, Josep, Eduard, Conchita, Chema, Ángel y a tantos otros que la memoria del nombre no alcanzamos a recordar, pero que no olvidamos. Gracias.
Barbastro – 20150628.- Del 1 al 28 de junio se celebró la segunda edición del Festival Barbastro Foto (BFOTO15) donde se pudo ver desde fotografías de Man Ray, Ouka Lele, Richard Avedon, Nicolás Muller, o Julia Margaret Cameron, entre otros en la exposición “Mirar otra vez”, una selección de obras de la Colección Álvarez Sotos, hasta las Verotipias (obras de gran formato efímeras) colgadas en las paredes de canalización del río Vero, y realizadas por artistas noveles de entre 4 y 6 años.
Dentro de BFOTO15 además de exposiciones, pudimos encontrar y disfrutar de talleres, conferencias, proyecciones y proyectos como EMERGENTES un programa expositivo convocado por BFOTO15 con el objetivo de apoyar a jóvenes artistas y difundir sus proyectos. Este año se presentaron 95 proyectos y se seleccionaron 5, uno de ellos de nuestra compañera de la RSFZ, Marta Sánchez que junto con Luisa Monleón, idearon “Aperto libro”, una visualización narrativa donde se mezclan, tanto la naturaleza muerta como la viva y el ser humano, materia prima para la realización de un libro.
Todo esto y mucho más se pudo ver en esta II Edición de BFOTO15, una ciudad volcada por y para la fotografía en esos veintiocho días que duro el Festival de Fotografía Emergente Barbastro Foto 2015, convirtiendo el espacio público en un lugar de encuentro compartido por una afición “La Fotografía”.
«Cuando os veo recorrer las calles me caen las lágrimas de felicidad»
Ángeles de Irisarri
Ayer se dieron cita en las calles de Zaragoza, organizados por la Junta de Cofradías de Zaragoza, mas de 800 cofrades en representación de las 24 cofradías de Zgz para dar inicio con el Pregón a nueve días de fervor religioso – Semana Santa de Zaragoza 2015.
Semana Santa Zaragoza, declara de Interés Turístico Nacional 2001 e Internacional desde 2014
Hace unos días salía a la luz la revista Sombras.foto que edita la Real Sociedad Fotográfica de Zaragoza. En su interior se publica un relato de nuestra visita a Teruel Punto Photo 2014, quizás un poco tarde en el tiempo pero no queríamos publicarla, hasta tanto en cuanto no lo fuese en Sombras.foto. Os dejamos un enlace y el artículo completo con sus correspondientes fotografías.
Teruel, 02/08/2014.- El sábado 2, había que salir temprano de Zaragoza si se quería llegar a las 10:00 horas, a tiempo de comenzar las charlas organizadas por la Sociedad Fotográfica Turolense con motivo del Festival Internacional de Fotografía “Teruel Punto Photo 2014”, bajo el lema Natura. Un programa prometedor sin lugar a dudas excepcional, como pudimos comprobar.
Llegados a Teruel con tiempo suficiente, dirigimos nuestros pasos a la Cámara de Comercio, lugar de celebración de las jornadas Natura. Poco a poco fue llenándose la sala con aficionados y profesionales del medio natural, fotógrafos la mayoría, expectantes a que diera Ángel Mallen, organizador de TPP14 el pistoletazo inaugural, presentaciones aparte del primer invitado de la mañana.
20140802.- sábado mañana
Dimas Serneguet Belda con Fotografía de alta velocidad.
Dimas Serneguet, especialista en fotografía de naturaleza en alta velocidad, nos mostró como detener el movimiento para obtener imágenes creativas de aves o de animales esquivos nocturnos. El equipo y los elementos de apoyo necesarios para su consecución (dispensadores de comida automáticos, cámaras espía, hides, triggers y flashes), y la fabricación artesanal de las planchetas (artilugio que al pisar acciona el disparador de la cámara) que junto con los pulsadores caseros, conforman la maquinaria para congelar esos instantes mágicos, cuya ubicación en cuidados escenarios, con fondos y complementos hacen en ocasiones necesaria la solicitud del permiso correspondiente en relación al mantenimiento y protección de espacios naturales acotados.
Sus fotografías “Un instante congelado en el tiempo” pudieron admirarse en el espacio de transito dedicado del Casino de Teruel.
Eduardo Blanco Mendizábal con El mal tiempo, un buen momento.
Eduardo Blanco, fotógrafo Navarro con dilatada experiencia en fotografía de naturaleza y viajes nos hablo de la necesidad de adaptación del fotógrafo de naturaleza a las constantes situaciones meteorológicas adversas de cómo anticiparse, protegerse y sacarle partido, a todo aquel fenómeno atmosférico que se deje fotografiar en cualquier localización geográfica y estacional del año, ayudados eso sí, necesariamente por las agencias meteorológicas locales fiables, y por aquellas aplicaciones móviles de última generación que nos permitan obtener esa imagen soñada, tantas veces deseada.
Algunas de sus obras pudieron verse en la Exposición Colectiva “Portfolio Natural” de la Sala de exposiciones de la Cámara de Comercio de Teruel, un resumen de “aquellas miradas creativas de la Naturaleza”, celosamente guardadas en las paginas de Natura.
Después de un merecido receso donde los anfitriones de TPP14 hicieron gala de su hospitalidad ofreciendo, aguas y refrescos a los asistentes a las jornadas nos introducimos en el mundo mágico de la creación visual.
Uge Fuertes con Fotos creativas.
Fotógrafo creativo autodidacta de Monreal del Campo y profesional del medio natural, Uge Fuertes es un maestro de la imagen, sus fotografías nos muestran un mundo imaginario donde la técnica no deja de ser el resultado de un conjunto de improvisaciones más o menos practicas cuyos efectos impactantes apenas nos desvela con su abstracción el contenido real, siendo necesario visualizarla una y cien veces para observar esa conjunción estética cercana al pictorialismo en su estudio al natural. Inspiración, innovación, invención, inquietud, palabras todas ellas que maneja Uge a la perfección en sus fotografías, junto a un amplio foto abecedario de ideas y localizaciones paisajísticas en ocasiones también, consecuencia del gracioso valor de los errores y de las fotos inacabadas, cuya habilidad le ha llevado doblemente a ser finalista y ganador del segundo premio del BBC Wildlife Photographer of the year 2013. TPP14 le reservo un espacio en el Centro Social Yague de Salas, donde exponer su creación “Desenfocando la mirada”, que lamentablemente no pudimos ver por estar cerrado durante los fines de semana.
Finalizada la mañana, todavía se tuvo tiempo de ver la Exposición Inspiración de la Naturaleza de Bastien Riu en la Torre del Salvador, antes de comer en uno de los tantos lugares con encanto en los que se comparte mesa con vistas a las fotografías que decoran sus locales, en esta ocasión con alusión al vino.
20140802.- sábado tarde
José Benito Ruiz: La fotografía el paisaje, técnica y composición
José Benito, maestro fotógrafo especializado en imágenes de naturaleza es uno de los impulsores de la corriente llamada ONLY RAW (Tendencia crítica hacia las imágenes manipuladas o cuya corrección va mas allá de los niveles básicos), gran conocedor de la técnica fotográfica, su trabajo puede verse libremente en http://www.tucamon.es, una plataforma tecnológica de interacción y creación con sede en Alicante.
José Benito es un comunicador de la fotografía que no deja indiferentes aquellos quienes le escuchan. Su dominio de la técnica se pone de manifiesto cuando nos habla del porque un teleobjetivo no enfoca bien, de cual es el mejor trípode, de usar o no el estabilizador, de la acutancia, difracción, o transmitancia y de como optimizar el rendimiento de los objetivos con filtros de densidad neutra o degradados.
A la localización, composición y posicionamiento en la fotografía de paisajes hay que añadir el proceso para la realización de la foto en el momento adecuado. Técnica y equipo al servicio del fotógrafo para crear hitos y atmósferas pictóricas como la de Friedich, paisajista del romanticismo.
Benito, expuso en la Escuela de Arte de Teruel una colección de imágenes bajo el título «Diálogos sobre composición» y a su inauguración asistió en persona compartiendo experiencias con los asistentes.
Finalizada la jornada de la tarde dispusimos de tiempo suficiente para ver algunas de las exposiciones repartidas por la ciudad, antes de asistir a la inauguración de Diálogos sobre composición de Benito Ruiz y posteriormente ya recibiendo la noche, al Performance de Light Painting. Así que en primer lugar nos dirigimos al Casino de Teruel donde vimos las exposiciones de Dimas Serneguet, «Un instante congelado en el tiempo» y de Javier Camacho, «En la Montaña», excelentes imágenes las que pudimos ver en este marco incomparable del Casino de Teruel pero a decir verdad el espacio dedicado y la iluminación no acompañaba adecuadamente la visión de las fotografías.
Continuamos haciendo tiempo entre cafés y copas (es un decir) y nos dirigimos a la Fonda del Tozal y al Café-Bar 1900, para ver respectivamente una selección de fotografías de los integrantes de la Sociedad Fotográfica de Teruel, «Exposición Colectiva» y «Teruel al Natural» de Jonathan Díaz, recientemente galardonado a la hora de transcribir estas líneas por su obra Águila Imperial en el concurso “Environment and me”, organizado por la Agencia Europea del Medio Ambiente (AEMA).
Después y para despedir el día, Performance de Light Painting en la Plaza de la Catedral. Fusión de luces, figuras e ideas para la creación de sorprendentes imágenes a cual más original y divertido. Genial.
20140803.- domingo
Javier Camacho: Montaña
Javier Camacho es un excelente fotógrafo, alpinista y viajero incondicional a lugares lejanos. Su experiencia en fotografía de alta montaña queda demostrada por sus ascensiones al Himalaya, Karakorum, Andes, Urales, Ártico, y África entre otros. Con cinco expediciones a más de 8.000 metros, Javier Camacho nos muestra la otra cara de la montaña, lo que cuesta dar un paso en condiciones extremas, de cómo se comporta el equipo fotográfico y de las dificultades de compartir en grupo la fotografía, su doble trabajo y el riesgo que comporta.
Sus audiovisuales y exposiciones demuestran el dominio de las luces en la montaña, sus amaneceres, sus atardeceres, y la fotografía nocturna desde lo que Javier Camacho llama «el hotel del millón de estrellas». Todo ello quedo magníficamente expuesto con su proyección Broad Peak mucho más que una montaña de 8000 metros, y su exposición «En la Montaña» del Casino de Teruel, dentro de Teruel PuntoPhoto 2014.
David Santiago: La fotografía de paisaje
David Santiago es un fotógrafo, periodista, viajero y artista freelance que ha visitado más de sesenta países, colaborando en prestigiosas revistas de viajes como, Nacional Geographic, Travel, GEO, etc. sumando ya más de 500 reportajes publicados. Además coopera con diversos organismos relacionados con el medio ambiente que le han llevado a la publicación de varios libros.
David, nos hablo en su ponencia de su trayectoria profesional y de cómo la ejerce en los diversos lugares mostrados en sus diapositivas. Localizaciones, composición, formatos, equipo necesario y consejos prácticos a tener en cuenta a la hora de fotografiar paisajes, fueron algunos de los conceptos que trato teórica y prácticamente, como cuando dispuso en perfecto orden todo su equipo personal que usa normalmente en sus incursiones, sobre la mesa: Cámaras, objetivos, filtros, trípode con rotula, y riñonera con arnés, complemento este último, esencial para no cargar la espalda. En definitiva una clase magistral sobre composición paisajística y equipo necesario. Se puede ver alguna de sus obras en la exposición colectiva Porfolio Natura.
Con la ponencia de David Santiago se dio por terminadas las jornadas «Natura» de Teruel Punto Photo. Solo resta despedirnos con pena de los anfitriones por tan buenos momentos, esperando volver a verlos el próximo año, y descubrir qué nueva sorpresa nos han reservado para la nueva edición de 2015.
Nosotros por nuestra parte, resistiéndonos a abandonar la ciudad de los amantes de la fotografía, todavía con tiempo, visitamos las exposiciones de Encarna Mozas, «Exposición Materia Viva» y de Pedro Javier Pascual, «Exposición Ilusiones Visuales», en el Museo de Teruel y en la Sala Logia, respectivamente. Antes, eso sí, de reponer fuerzas y emprender viaje de nuevo a Zaragoza. ¡Hasta el año que viene en Teruel Punto Photo 15!
Los soldados anónimos del fotoperiodismo toman Perpiñán
Visa pour l’Image reflexiona sobre el futuro del reporterismo aficionado
Álex Vicente – El País_Cultura – Paris 20140901.- El cambio se materializó durante el verano de 2005. Cuatro bombas estallaron en los transportes públicos de Londres, cobrándose 56 muertos y 700 heridos. Tres de ellas lo hicieron dentro del metro londinense, de imposible acceso para los medios que deseaban dar cuenta de este trágico acontecimiento. Fue entonces cuando la BBC tuvo una idea innovadora: hacer un llamamiento a ciudadanos anónimos que hubieran presenciado los hechos y fueran susceptibles de sustituir a los periodistas por un día. “Queremos que seáis nuestros ojos”, rezaba el reclamo con el que la cadena solicitó testimonios. En pocas horas, más de mil personas mandaron sus fotos, tomadas con móviles y cámaras digitales. A la mañana siguiente, algunas de esas imágenes terminaron, por primera vez en su historia, en la portada de The New York Times y The Washington Post.
Adam Stacey – Atentado en Londres. July 7, 2005.
Sin saberlo, esos ciudadanos actuaron como enviados especiales a ese oscuro túnel de evacuación. Algo iba a cambiar para siempre en el fotoperiodismo. O, por lo menos, eso se proclamó entonces. Una situación que el 26º Festival Visa pour l’Image, en Perpiñán, analiza estos días.
Alexander Chadwick, Cámara teléfono móvil – Evacuación por el túnel del metro estación Kings Cross – Londres, July 7, 2005
La revolución digital de la imagen vino acompañada de esa profecía pregonada a los cuatro vientos: la aparición del periodismo ciudadano iba a destruir para siempre el oficio de fotoperiodista. Esas pequeñas cámaras al alcance de cualquier amateur firmarían la muerte de la profesión. ¿Para qué iba a pagar un medio a un fotógrafo profesional cuando cualquier ciudadano podía captar con su teléfono móvil ese instante decisivo en el que se cristalizan los acontecimientos históricos?
Una década más tarde, Visa pour l’Image hace balance y concluye que ese soldado anónimo del fotoperiodismo terminó siendo más inofensivo de lo que se anunció. “La amenaza se magnificó. Todo el mundo no se ha acabado convirtiendo en reportero amateur”, analiza Samuel Bollendorff, fotógrafo de la difunta agencia L’Oeil Public y comisario de la exposición Amateurs à la une (Amateurs en portada), una de las 26 muestras que se podrán visitar gratuitamente durante las dos próximas semanas. “Esas imágenes no han supuesto ninguna competencia. Funcionan como un apoyo, igual que los testimonios de los que se sirve un periodista para relatar un suceso. Son un complemento a nuestro trabajo, pero en ningún caso remplazan la labor de un profesional”, asegura. Las fotos van desde el asesinato de JFK, hasta los abusos de Abu Ghraib.
Zapruder film frame #372 – asesinato JF Kennedy – Dallas. United States.
Nov. 22, 1963
La exposición recoge treinta fotografías de aficionados que terminaron ocupando contra pronóstico las portadas de diarios de todo el planeta. “No hemos sido capaces de encontrar más, lo que demuestra que ha sido una figura excepcional”, dice Bollendorff. El recorrido empieza con la famosa instantánea del asesinato de JFK, obtenida a partir de un video filmado por un asistente al desfile llamado Abraham Zapruder, y se alarga hasta las no menos célebres imágenes de abusos a presos en Abu Ghraib, capturadas por el soldado Jeremy Sivits, más tarde juzgado y represaliado por un tribunal militar. Se detiene en las imágenes del accidente del Concorde, que numerosos parisinos documentaron en 2000, y en el tsunami que devastó la costa de Tailandia en 2004, reflejado por la imagen que tomó un turista anónimo en la provincia de Krabi durante sus vacaciones de Navidad. La imagen de un videoaficionado que registró la brutal agresión de Rodney King, taxista afroamericano arrollado por la policía cuando escapaba a una persecución, originó una semana de disturbios en Los Angeles en 1992. En ocasiones más recientes, las imágenes ciudadanas de la revolución iraní o del conflicto sirio han permitido documentar realidades a las que los medios tradicionales tenían acceso vetado, a causa de las restricciones gubernamentales.
Air France Concorde flight 4590 – Aeropuerto Charles de Gaulle – Paris
July 25, 2000.
Con el tiempo, estos documentos han adquirido un valor icónico innegable, pero la muestra evidencia que no dejan de ser casos excepcionales. “Esa idea de una competencia sufrida por los órganos de prensa no cuadra con la realidad. No existe ninguna manera de que los novatos impongan su producción en el interior de los grandes medios. Como demuestra el ejemplo de la BBC, la invitación a transmitir un testimonio surge de las propias redacciones, que reservan el privilegio de escoger y editorializar esas contribuciones externas, analizó hace unos años el sociólogo André Gunthert, especialista en la cultura de la imagen, y que dará una conferencia en Perpiñán.
Jiji Press/AFP/Getty Images – Tsunami en la ciudad de Miyako – Japón.
March 11, 2011.
La exposición es uno de los platos fuertes de la presente edición del certamen, fundado hace dos décadas y media por Jean-François Leroy, un apasionado por el oficio que terminaría abandonando “por falta de talento”. Debutó a los 11 años publicando una foto capturada con una Leica en una competición deportiva, aparecida en un diario católico… dirigido por su tía. “Siempre tuve claro que no era un buen fotógrafo. He preferido dedicarme a algo más útil: promover el trabajo de los demás”, confiesa. Leroy quiso crear “el Festival de Cannes del fotoperiodismo”, un certamen internacional que, pese a sus orígenes modestos, ha acabado acogiendo a más de 200.000 visitantes en cada edición. Hasta el 14 de septiembre, el festival se vuelve a concentrar en territorios poco transitados por la fotografía de actualidad a través de series de una inmensa calidad, a cargo de nombres como la estadounidense Mary F. Calvert, finalista del premio Pulitzer, quien denuncia los 26.000 casos anuales de abuso sexual en el ejército estadounidense. Por su parte, el francés Bruno Amsellem documenta la persecución de la comunidad musulmana por los budistas radicales de Birmania, donde 140.000 personas permanecen confinadas en campos de concentración. El reportero William Daniels, quien fue evacuado de Siria en 2012 tras estallar un conflicto que todavía se alarga, tiene el honor de exponer dos muestras: una sobre la crisis humanitaria en la República Centroafricana y otra sobre un tren-hospital de la era soviética que sigue recorriendo 4.000 kilómetros de la estepa. Mientras tanto, el español Álvaro Ybarra Zavala expone por tercera vez en Perpiñán una serie sobre los cultivos transgénicos en Argentina y Brasil, por la que dice haber recibido “amenazas de autoridades, lobbies y empresas implicadas”. El compromiso con la denuncia figura en el código genético de quien se quiere dedicar al oficio.
El filósofo Jean Baudrillard, que fue un visitante habitual de este festival hasta su muerte en 2007, denunció que el certamen estuviera dominado por “un discurso victimista y miserabilista”, repleto de “fotos dolorosas” que potenciaban “una sensibilización efímera” acerca de la miseria del mundo. A Leroy le rechinan los dientes: “¿Es posible hablar de lo que sucede en Gaza sin ser miserabilista? ¿Alguien puede imaginar la ejecución de James Foley sin indignarse? ¿Alguien logra contemplar los trabajos que presentamos sin inmutarse?”. La predecible respuesta a esta interrogación retórica se halla, durante las próximas semanas, en la capital de la Cataluña francesa, donde se expone la perturbadora radiografía de un mundo donde el conflicto crece, se reproduce y no desaparece. ¿Han hecho realidad los fotógrafos amateur el sueño de todo fotorreportero, creando la imagen imposible? Estar ahí, en el sitio adecuado, es lo que siempre ha animado a los fotorreporteros. El sueño de crear una imagen única, la primera imagen de un acontecimiento, la que llegue a las conciencias. Y transmitirla al mundo entero. Hasta 2001, los fotoperiodistas y la prensa estaban unidos por este paradigma. Pero desde entonces, 6 billones de individuos se han comprado una cámara y se han conectado a las redes sociales. Donde quiera que suceda algo en el planeta, de ahora en adelante siempre habrá un testigo susceptible de realizar «la primera imagen» y de transmitirla. El tsunami de Banda Aceh, los atentados de Londres, Abu Ghraib, la revolución iraní, las primaveras árabes, la muerte de Gadafi y más recientemente la guerra en Siria, son imágenes amateurs que, al ser las primeras, nos impresionaron profundamente.
Si en el anterior artículo presentábamos un recorrido por PHotoEspaña – Madrid, en este se muestran las cuatro exposiciones que PHE14, incluye en la ciudad de Zaragoza y que inexcusablemente deberíamos visitar, aquellos interesados por la fotografía, documental y social. Al margen de estas colecciones y si ello no fuese bastante, también hemos incluido dos más a modo de teloneros o más bien de bises como final de esta de esta magna muestra.
Rafael Sanz Lobato. Fotografías 1960 – 2008
Fechas: 17 junio – 7 septiembre
La Lonja / Zaragoza
Plaza del Pilar, s/n 50003 Zaragoza Mar-Sáb / Tue-Sat: 10.00 – 14.00 h / 17.00 – 21.00 h Dom, Fest / Sun, Hol: 10.00 – 14.30 h Lun / Mon: Cerrado / Closed Entrada / Admission: Gratuita / Free
Organizan: Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte e Instituto de la Cultura y las Artes del Ayuntamiento de Sevilla
Colabora: Ayuntamiento de Zaragoza
Zaragoza recibe la exposición del Premio Nacional de Fotografía 2011
Una retrospectiva de un fotógrafo documental que ha captado con su cámara el carácter y la idiosincrasia de los pueblos de España.
Rafael Sanz Lobato recibió en 2011 el Premio Nacional de Fotografía, un galardón que reconoce el trabajo de un fotógrafo cuya obra permaneció velada durante años. Reconocido por Cristina García Rodero como su maestro, varias series posicionan su obra en una posición indiscutible en la fotografía española. A Rapa das Bestas, Bercianos de Aliste o Auto Sacramental de Camuñas reflejan la diversidad cultural de nuestro país.
Esta exposición antológica reúne 137 fotografías que recorren toda su obra desde 1960 hasta 2008, y supone una primera revisión de la totalidad de su creación. Desde los paisajes, a los retratos y los bodegones, Sanz Lobato aborda temas como la transformación del mundo tradicional y las culturas populares ante los nuevos tiempos, dejando memoria de un mundo que desapareció. Su trabajo adopta un método de observación antropológica y un enfoque documental que influyó en el fotoperiodismo contemporáneo al coincidir con un cambio de época histórica y política.
Rafael Sanz Lobato (Sevilla, 1932) ingresó en 1964 en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. Un año más tarde creó junto a diversos fotógrafos el grupo «La Colmena». Tras la desaparición del grupo se involucró en la formación del «Grupo 5». Desde sus comienzos, Sanz Lobato desarrolló una fotografía centrada en escenas costumbristas del campo, las ciudades de las provincias, las tradiciones festivas y el retrato. En 2003 recibió la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes por el conjunto de su obra documental antropológica.
Testigos de las revoluciones árabes
Centro de Historias / Zaragoza
Plaza de San Agustín, 2
50002 Zaragoza
Fechas: 15 mayo – 20 julio
Organizan: Ayuntamiento de Zaragoza y Centro de Historias
La exposición da testimonio de las duras realidades vividas en los países árabes del norte de África desde el año 2010.
El trabajo de fotoperiodismo de Manu Brabo, Alfonso del Moral, Diego Ibarra, Maysun, Guillem Valle y Ricardo García Vilanova, secuestrado durante seis meses en Siria, forman parte de la muestra.
Info Cálamo fotográfico: Testigos de las revoluciones árabes
Historia, miradas de artistas
Eric Baudelaire / Mohamed Bourouissa / Luc Delahaye / Shai Kremer / Cristina Lucas / Eduardo Nave / Paola de Pietri / Paolo Ventura.
Centro de Historias / Zaragoza
Plaza de San Agustín, 2
50002 Zaragoza
Fechas: 5 junio – 24 agosto
Organiza: PHotoEspaña
Colabora: Ayuntamiento de Zaragoza
Las obras reunidas en esta exposición plantean cuestiones sobre los diversos modos de representación de la realidad
Ocho artistas que ponen en evidencia las huellas, heridas y cicatrices dejadas por la historia, en un mundo convulso en el que las certezas han desaparecido
Historia, miradas de artistas plantea diversas miradas y modos de aproximación a los hechos históricos del presente y del pasado a través de ocho artistas que trabajan con la fotografía, el vídeo y la instalación. A todos ellos les aúna el deseo de reflexionar sobre dichos acontecimientos pero lo hacen desde una postura distanciada, que tiene más que ver con la del artista que con la del fotógrafo de prensa o de reportaje. Es desde la postura distanciada del arte desde donde estos autores abordan aspectos como la memoria, las huellas, las heridas, la evocación o incluso la re-interpretación de los acontecimientos históricos.
La mayoría de estos artistas trabajan con imágenes “construidas”. Con ello ponen en duda el carácter demostrativo o indexal del medio fotográfico. Varios de ellos muestran una sensibilidad especial hacia los conflictos bélicos que han lacerado la historia del siglo XX así como otros conflictos de más actualidad, pero el acercamiento a estos conflictos es siempre de forma indirecta. En ningún caso sus trabajos son o pretenden ser documentos de esas realidades a la manera en que lo plantean los fotógrafos de prensa y del reportaje. Pero, desde esa postura distanciada, aportan otros puntos de vista, otros modos de aproximarse y de ver la realidad, de mirar y representar el mundo, en un tiempo en que las viejas tradiciones y las etiquetas –reportaje, documental, fotoperiodismo- están siendo puestas en cuestión, en un tiempo en que la fotografía ha dejado de ser considerada como portadora de la verdad y por lo tanto susceptible de mentir.
GALERÍA CAROLINA ROJO
Luis Gordillo – Fotografías G/K
Fechas: 11 junio – 26 julio
Organiza: Galería Carolina Rojo
Galería Carolina Rojo
Paseo de Sagasta, 72, local 3 50006 Zaragoza Mar-Vi / Tue-Fri: 18.00 – 21.00 h Sáb / Sat: 11.00 – 14.00 h Lun, Fest / Mon, Hol: Cerrado / Closed
La galería Carolina Rojo organiza una exposición individual del último trabajo fotográfico de Luis Gordillo.
La fotografía es una buena herramienta para inventariar lo habitual. Pero no siempre ha sido así desde que Luis Gordillo (Sevilla, 1934) decidió incorporarla en su obra, en los años sesenta del siglo XX. Como él mismo ha señalado, este medio es un instrumento eficaz en el interminable desarrollo procesual de su pintura por dos razones fundamentales: le permite huir de la esquizofrenia del color, y le facilita la introducción natural del azar y el automatismo. Técnica clave en su laboratorio experimental, Gordillo también ha utilizado la fotografía para registrar el proceso pictórico.
G/K es la serie fotográfica que Gordillo inició en 2013. Todas las cosas de su entorno cotidiano tienen cabida en ella, hasta configurar una topografía atenta a lo habitual. El paisaje del jardín, la mesa de ping-pong o la piscina, son algunos de los motivos de sus composiciones visuales –seductoras y a la vez extrañas–, situadas en un espacio abierto con múltiples líneas de fuga temporales que, a veces, combina en dobles imágenes. Quizás solo son respuestas a preguntas fragmentarias apenas indicativas de un método, como diría Perec, pero esenciales para captar nuestra verdad.
Antihéroes
Centro de Historias
Pza. San Agustin, 2
Teléfono: 976 721 885
Del 3 de Junio al 24 de Agosto de 2014Antihéroes es el proyecto Iphoneográfico de Susana Blasco. Surge de la casualidad, la experimentación y el juego y funciona como una prolongación lúdica de su trabajo con fotografías antiguas y collages geométricos. Partiendo del valor simbólico de los objetos sencillos y su interactuación con los rostros anónimos sobre los que descansan, se genera una relación que potencia las historias imaginarias que esos personajes sugieren.
Son fotografías realizadas con teléfono móvil de distintos objetos cotidianos colocados momentáneamente sobre retratos antiguos. Sin retoque fotográfico alguno ni Photoshop, las imágenes se publican directamente en Instagram con el filtro earlybird y bajo el hashtag #antiheroes_sb.
Es un proyecto que sigue aumentando en número de antihéroes y en número de seguidores (+ de 20.000). Se puede ver en www.instagram.com/descalza.
Susana Blasco es diseñadora gráfica y collagista. Ha recibido varios premios y su trabajo ha formado parte de numerosas exposiciones individuales y colectivas, siendo reseñado en diferentes medios especializados. www.susanablasco.com.
“EFE. 75 años en fotos»
Del 17 de junio al 13 de octubre de 2014
La Obra Social de Ibercaja, en colaboración con la Agencia EFE, presenta la exposición “EFE. 75 años en fotos”, que reúne las imágenes más representativas de los momentos clave de la España contemporánea de los cuales la Agencia ha sido testigo de excepción.
Más de 17 millones de fotografías integran el archivo gráfico de EFE, la principal agencia en español y la cuarta del mundo, que desde su fundación en 1939, se ha convertido en un testigo excepcional de la realidad.
Las 75 fotografías de gran tamaño reunidas para esta ocasión constituyen una exhaustiva selección de las principales imágenes transmitidas por la Agencia a lo largo de su historia, evocando personajes y momentos emblemáticos de la historia de España y de Aragón. Así, se pueden contemplar fotografías del Rey cuando era cadete en la Academia Militar de Zaragoza; reivindicaciones multitudinarias, como la que se celebró en favor de la autonomía de Aragón; momentos trágicos como el incendio del Hotel Corona; o acontecimientos sociales como la Boda de Carmen Sevilla, la Caravana de Plan o el rodaje de la película Salomón y la Reina de Saba.
Instalada en el impresionante pabellón de diseño flotante sobre el río Ebro, obra de la arquitecto Zaha Hadid, la muestra se enmarca dentro del conjunto de actos organizados por la Agencia EFE en España y en América para conmemorar su 75 cumpleaños, celebración que casi coincide con el 30 aniversario de la apertura de la delegación de EFE en Aragón.
Entrada libre
Fechas y horarios
Del 17 de junio al 13 de octubre de 2014 De lunes a domingo, de 10 a 14 y de 17 a 21 h.
Lugar de realización:
Pabellón Puente
Expo Zaragoza Empresarial
Zaragoza
PHE14, abre sus puertas un nuevo año y merece la pena su visita más que obligada de aquellos que hacen de la fotografía, su pasión; sean profesionales o amateur. Del 4 de junio al 27 de julio, podremos visitar, la XVII edición de PHotoEspaña, Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales, dedicada en esta ocasión a la fotografía española.
Desde aquí queremos unirnos a esta fiesta de la imagen, sin lugar a dudas única en España y proponer un reducido recorrido de un día, salvando horarios, festivos y descansos que puedan darse, según la fecha elegida.
La elección supone dejar de lado exposiciones que no por ser menos interesantes, suponen complicados circuitos difíciles de realizar por distancias y agendas de apertura de las galerías, generalmente en horarios adversos al de un sábado, día escogido para este singular recorrido fotográfico.
También vemos la posibilidad de conocer la nueva sala de la Fundación Mapfre, situada en Barbará de Braganza, 13, esquina con el Paseo Recoletos, que aunque ajena a FhotoEspaña, presenta una interesante exposición de Vanessa Winship, y dicho sea nos viene al paso.
A disfrutar, amigos. Nos vemos en PHotoEspaña.
1.- (06) FERNÁN GÓMEZ CENTRO CULTURAL DE LA VILLA
P2P. Prácticas contemporáneas en la fotografía española
Carla Andrade / Bego Antón / Íñigo Aragón / Julián Barón / Bubi Canal / Jon Cazenave / Nicolás Combarro / Cristina de Middel / Alberto Feijoo / Olmo González / David Hornillos / Jesús Madriñán / Alejandro Marote / Javier Marquerie / Daniel Mayrit / Oscar Monzón / Tanit Plana / Ixone Sadaba / Alberto Salván / María Sánchez / Carlos Sanva / Marc Serra /Miguel Ángel Tornero / Román Yñán.
Fechas: 4 junio – 20 julio Horario:11 a 14,30 y 17 a 20,30 h
Un proyecto expositivo que reúne las prácticas y teorías más innovadoras de la fotografía española contemporánea. La selección de artistas es el resultado de un proceso de conversaciones online en las que se analiza la variedad de prácticas fotográficas empleadas en el contexto actual.
P2P Prácticas contemporáneas en la fotografía española es un proyecto expositivo que tiene como finalidad articular y poner en común las prácticas y teorías más innovadoras presentes en la joven fotografía española contemporánea. La exposición se diseña con el objetivo de crear conversaciones visuales entre los participantes que permitan transmitir el dinamismo y el amplio espectro de ideas fotográficas con las que los artistas y sus redes creativas trabajan en la actualidad.
La selección de artistas cuyas obras conforman la muestra es el resultado de un proceso iterativo de conversaciones públicas moderadas por el equipo de comisarios donde se tratan cuestiones relacionadas con el medio fotográfico, sus metodologías y el contexto en que los artistas desarrollan su trabajo actualmente. Estos diálogos, iniciados por un primer grupo de fotógrafos elegido por los comisarios, determinan los contenidos de la exposición y el resto de participantes en la muestra.
Además de la exposición, el proyecto cuenta con un programa paralelo que incluye debates, talleres y actividades que sirven como espacio para la reflexión sobre el estado de la fotografía española contemporánea. El proyecto contará con un catálogo que se publicará a posteriori y cuyos contenidos se generarán a lo largo del proyecto.
2.- (01) BIBLIOTECA NACIONAL DE ESPAÑA
Fotografía en España, 1850-1870
Charles Clifford / Jean Laurent / José Martínez Sánchez / Alonso Martínez y Hermano / Joaquín Pedrosa / José Spreafico
Fechas: 27 mayo – 14 septiembre. Horario: 10 a 20 h
La Biblioteca Nacional ha realizado una selección de sus fondos fotográficos y presenta obras de los pioneros de la imagen en España
La exposición recorre el periodo comprendido entre 1850 y 1870, clave para la historia fotográfica del país. Entre los fondos fotográficos que conserva la Biblioteca Nacional de España se encuentra un importante conjunto de imágenes del siglo XIX que destaca por su relevancia y variedad. En él están representados los diferentes caminos que ha seguido el fenómeno fotográfico desde su aparición pública en 1839, su evolución y su desarrollo.
La exposición presenta una selección de esos fondos delimitada entre los años 1850 y 1870 en España. Una época en la que trabajaron grandes nombres de la fotografía del siglo XIX como Charles Clifford, Jean Laurent, José Martínez Sánchez, Alonso Martínez y Hermano, José Spreafico y Joaquín Pedrosa. La muestra reúne además fotografías anónimas de gran interés para el visitante.
El conjunto de obras seleccionadas se caracteriza por su riqueza y variedad temática, reflejo del potencial gráfico que adquirió la fotografía desde su aparición y de su importante labor como difusora del conocimiento visual en diferentes campos de interés. La fotografía contribuyó a dar a conocer grandes avances fruto de las revoluciones industriales, las obras públicas, la llegada del ferrocarril, grandes exposiciones internacionales y descubrimientos arqueológicos así como retratos de personajes relevantes, obras de arte y monumentos. Es esta una compilación de temas y fotógrafos que permite conocer las piezas más tempranas del fondo, muchas de ellas verdaderas obras maestras.
Los mejores libros de fotografía del año
Fechas: 27 mayo – 27 julio
Los libros de fotografía más destacados del último año se exponen en la Biblioteca Nacional. Cerca de un centenar de publicaciones candidatas al Premio al mejor libro de fotografía del año de PHotoEspaña.
La exposición Los mejores libros de fotografía del año reúne una selección de un centenar de libros nacionales e internacionales especializados en fotografía y editados en el último año. Las publicaciones expuestas han sido escogidas entre todas las recibidas en la convocatoria al Premio al mejor libro de fotografía PHE14 que PHotoEspaña concede cada año en tres categorías: nacional, internacional y editorial destacada del año.
Con esta exposición se ofrece un panorama general sobre las últimas tendencias en el campo de la edición de libros de fotografía centrando la atención en diferentes aspectos del resultado final, tales como la secuencia de imágenes, diseño gráfico, el formato y material elegido. Una suma de variables que en su conjunto convierten al libro en una obra más del artista, dando a conocer desde fotógrafos históricos a propuestas artísticas contemporáneas
3.- (00)NUEVA SALA DE EXPOSICIONES BÁRBARA DE BRAGANZA
Vanessa Winship
C/Barbara de Braganza, 13-Esquina Ps. Recoletos
Del 30 de mayo al 31 de agosto de 2014
La fotografía de Vanessa Winship (Barton 1960) entabla un diálogo con la impronta del siglo pasado sobre las personas y los territorios que estas transitan, con los largos procesos marcados por movimientos de desintegración e integración de volubilidad de fronteras y reafirmación de identidades. Sus imágenes, en ocasiones apoyadas en textos breves, ofrecen una mirada poética, menos inmediata que la del fotoperiodismo, que aborda el efecto de la historia sobre lo cotidiano.
Desde que iniciara su trabajo en los Balcanes a finales de la década de 1990 hasta su obra más reciente en Almería, Winship se ha interesado por espacios en los que la presencia humana y el paisaje parecen desafiar los límites geopolíticos y los sucesos históricos. Todo el potencial y contenido documental de su fotografía se desplaza hacia nociones íntimas. como la vulnerabilidad, el cuerpo o la biografía. En sus series se puede trazar el modo en que se inscriben, en la piel, los rasgos o el vestido, normas, herencias; asimismo, la forma en la que en cada uno de los paisajes resiste inalterado a la historia o graba en su seno, mediante las ruinas de proyectos políticos o sociales, las heridas de un pasado reciente.
Esa doble naturaleza, entre la indagación documental y las pesquisas intima, es la clave en su obra. Tanto si sus imágenes muestran la inmediatez de un instante que casi escapa a la mirada, como si son el producto del posado de un modelo, contienen unos elementos de autenticidad: el que es capaz de generar su sentimiento de lo común y compartido a través de una mirada a lo aparentemente ajeno y remoto.
4.- (20) CENTRO CIBELES
Un día en la vida de Madrid
Fechas: 18 junio – 27 julio. Horario: 10 a 20 h
Centro Cibeles acoge una exposición que se compone de las fotografías ganadoras del certamen online Un día en la vida de Madrid, organizado por el Ayuntamiento de Madrid y Samsung. Este concurso, de convocatoria abierta y sin límite de edad, reúne 24 fotografías, una por cada hora del día, para formar un retrato fotográfico colectivo y masivo de lo que acontece en la ciudad de Madrid a lo largo de un día.
V Bienal Internacional de Arte Fundación ONCE
Fechas: 20 mayo – 14 septiembre
La Bienal Internacional de Arte Fundación ONCE nació en 2006 con el objetivo de reconocer y difundir la obra de artistas con algún tipo de discapacidad, así como de potenciar su acceso y participación en el mercado del arte. La V edición de la Bienal tiene como eje la diversidad humana y el cuerpo. Alrededor de este tema se vertebra una exposición de artes plásticas y un amplio programa de actividades paralelas de diferentes disciplinas.
5.- (02) CASA DE AMÉRICA
Chile en fiesta
Catalina Riutort y Alejandra Undurraga
Fechas: 5 junio – 27 julio. Horario: 11 a 15 h.
Chile posee una intensa tradición de celebraciones profanas y religiosas que ha modelado su identidad como nación. Este conjunto de imágenes da cuenta de las festividades más extendidas en el país andino en un recorrido por toda la nación.
En Chile se celebran fiestas tradicionales, tanto profanas como religiosas, que dan cuenta del sincretismo que se produjo entre la cosmovisión indígena originaria y la cultura hispana a partir del siglo XVI. Existen fiestas que honran a la Virgen, agradecen a la Pachamama, veneran santos patrones y alimentan el alma de los muertos. En el país andino se celebra la independencia, se festejan triunfos militares, existen fiestas costumbristas relacionadas con faenas de trabajo y muchas otras que rescatan tradiciones, expresiones artísticas y modos de vida que son parte de su identidad. Chile es un país que celebra mucho más de lo que cree, sobre todo en zonas rurales donde la distancia de las grandes ciudades, la impermeabilidad frente al racionalismo y la lógica de la eficiencia de la cultura moderna, han protegido estas manifestaciones.
Casa de América acoge una exposición de fotografías de Alejandra Undurraga y Catalina Riutort recogidas en el libro Chile en fiesta (2007), un registro de celebraciones populares impulsado por Catalina Darraidou. La muestra pretende celebrar la afirmación del mundo que implica la fiesta y poner de manifiesto el patrimonio inmaterial que conforma la riqueza de la cultura chilena. Si las fiestas populares son manifestaciones que tienen que ver con aspectos profundos del ser humano en las que se expresa espiritualidad, esperanza y gratitud, su registro y su difusión contribuye a ponerlas en valor y a enriquecer la identidad tanto de los que participan de ellas como de aquellos que desconocen lo que atesoran los pueblos más recónditos.
Gigantos
Raquel Brust
Fechas: 5 junio – 27 julio
Casa de América acoge la proyección de Gigantos, de la artista brasileña Raquel Brust. Retratos híper dimensionados de personas anónimas que se proyectan sobre elementos urbanos, en un diálogo con la arquitectura de la ciudad.
Gigantos es una proyección de fotografías híper dimensionadas de Raquel Brust. La artista brasileña utiliza la arquitectura de la ciudad como soporte para retratos de gran formato, en una acción que dialoga con el paisaje urbano e interacciona con el público. La propuesta es una fotografía activa, donde obra y espectador se confunden.
Cada Giganto utiliza a las personas como esculturas trabajadas por el tiempo, creando retratos cargados de emoción. Transformar personas en Gigantos es un proceso que exige intimidad y que pone en valor al individuo, su identidad y su memoria. El proyecto propone captar la potencia de las miradas y revelar las esencias de los retratados diluyendo barreras entre arte, antropología visual e intervención urbana. El proyecto fue premiado por la Secretaría de Cultura del Estado de São Paulo en 2008 y ha sido expuesto en PHotoEspaña.br (2013), los centros Sesc de Bertioga (2013) y Santana (2012); la Mostra São Paulo de Fotografía (2013), el TED@São Paulo (2012); los festivales Foto em Pauta (2012, Tiradentes) y Paraty em Foco (2011); y la galería Emma Thomas (2012), entre otros.
Raquel Brust vive en São Paulo, es graduada en Periodismo por la Universidad Pontificia Católica de Rio Grande do Sul y posgraduada en Fotografía por la Fundação Armando Álvares Penteado. Especializada en fotografía en cursos en las universidades Vale dos Sinos, Federal de Rio Grande do Sul y SENAC-RS, Brust trabaja también como directora de fotografía y cámara en los principales documentales de la productora Outros Filmes.
Elemento latente. Diez fotógrafos de América Latina
Casa de América acoge trabajos de diez fotógrafos procedentes de Brasil, México y Venezuela. Sus obras han sido seleccionadas a partir de dos visionados de porfolios realizados por PHE en São Paulo y Caracas.
Con el fin de mostrar diferentes líneas estéticas, la exposición reúne el trabajo de diez fotógrafos procedentes de América Latina. Todos ellos sugieren historias, llaman la atención sobre personajes desconocidos y se hacen preguntas sobre hechos que en primera instancia pasarían desapercibidos.
A pie de calle, Marlos Bakker reflexiona sobre el coche como lugar privado que a la vez expone al conductor y Stefan Schmeling muestra torres de vigilancia en São Paulo. Reflexionando sobre realidades de otros ámbitos sociales, Alejandro Cegarra presenta un reportaje sobre un edificio ocupado en Caracas y Mariza Versiani aborda una serie sobre trabajadores desde una perspectiva poética. Con cierto espíritu de denuncia, Karina Muench investiga feminicidios en Bolivia y Rómulo Peña trabaja sobre el alto índice de suicidios en un poblado de Venezuela. Gustavo Lacerda elabora cuidados retratos de albinos en Brasil y Elena Pastor genera un retrato de su padre a partir de sus posesiones personales. Claudia Aréchiga muestra detalles de los momentos en que se asignan temas en el periódico en el que trabaja y Carolina Fóes materializa en imágenes un mundo en silencio.
La exposición resulta de los trabajos presentados durante los visionados de porfolios de Transatlántica llevados a cabo en el contexto del Festival PHotoEspaña.br en el Sesc Consolação en São Paulo y en el Centro Cultural Chacao, Oficina Cultural de la Embajada de España en Venezuela-AECID y el CIEF en Caracas. Tras su exhibición en Casa de América, la muestra viajará a São Paulo, continuando la colaboración entre el Sesc y PHotoEspaña.
6.- (05) ESPACIO FUNDACIÓN TELEFÓNICA
Arissa. La sombra y el fotógrafo. 1922-1936
Fechas: 4 junio – 14 septiembre. Horario: 10 a 20 h
Espacio Fundación Telefónica acoge la primera exposición antológica de Antoni Arissa, uno de los más destacados representantes españoles de la vanguardia fotográfica. Sus planteamientos fotográficos beben de los preceptos de la Nueva Visión y de autores de las corrientes fotográficas europeas de su época.
Antoni Arissa (Sant Andreu 1900 – Barcelona 1980) se inició en la fotografía a comienzos de la década de 1920 y la compaginó con su labor técnica en la imprenta familiar. Si bien en sus comienzos desarrolló temáticas costumbristas, su trabajo fue evolucionando hacia un estilo dinámico y desprovisto de los ornamentos y referencias simbolistas que tanto interesaron a los fotógrafos pictorialistas.
Arissa evolucionó pronto hacia una nueva visión, cercana a los planteamientos de la fotografía centroeuropea, caracterizada por la composición, la forma, la línea, el punto de vista y una iluminación que acentúa las cualidades y la intención de los objetos fotográficos. Este cambio se vio reforzado por su carrera como impresor y editor así como por sus conocimientos de tipografía. En ese terreno encontró el espacio necesario para el ensayo de sus herramientas visuales en la búsqueda de una fotografía personal y moderna.
Esta exposición está compuesta por más de 160 fotografías provenientes de las colecciones de negativos preservados por Fundación Telefónica y el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya e incorpora los escasos tirajes efectuados por el autor que se conservan en papel. El proyecto culmina los esfuerzos de Fundación Telefónica en la recuperación de archivos fotográficos, labor iniciada con el Archivo Fotográfico de la Compañía, que permite, en este caso, presentar al público la primera exposición antológica de Antoni Arissa.
7.- (14) REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO
Atrapar la vida. Eugeni Forcano. Fotografías 1960 – 1974
Fechas: 18 julio – 31 agosto. Horario: 10 a 14 y 17 a 20 h
Eugeni Forcano, Premio Nacional de Fotografía 2012, es uno de los cronistas más destacados de la España de los últimos años de la posguerra y del franquismo. La exposición reúne 150 fotografías de sus trabajos más conocidos en blanco y negro así como de su obra experimental en color.
La larga y fértil trayectoria fotográfica de Eugeni Forcano es la de un autodidacta fascinado por su entorno. Su manera de trabajar, intentando atrapar los momentos que más le atraían, capturó imágenes con las que se puede narrar un periodo clave de la historia de España, el de los últimos años de la posguerra y del franquismo.
Por encima de todo, dentro de su obra destacan dos aspectos: la dimensión humana y los acontecimientos sociales. Las gentes de la ciudad y el campo son protagonistas de las obras que forman el corpus central de esta exposición, estructurada en once apartados dedicados a algunos de los temas que más le obsesionaron. Además de estas imágenes clave, la muestra no olvida su fotografía en color más experimental, con la que obtuvo sorprendentes imágenes en las que se encuentran referencias al surrealismo y la abstracción. También incluye libros, revistas y el capítulo que le dedicó la serie documental La voz de la imagen.
Eugeni Forcano i Andreu (Canet de Mar, 1926) inició su trabajo fotográfico en 1959 y en 1960 se integró en el semanario Destino. En colaboración con su hermano creó los Estudios Forcano, dedicados al retrato, ilustración, moda y publicidad. Ha publicado en diversas publicaciones y ha creado libros como Guía de Barcelona (1964) y Festa Mayor (1969). En 2005 fue premiado con la Medalla de Oro de Barcelona y protagonizó la gran exposición antológica Eugeni Forcano. Fotografías, 1960-1996 (Lunwerg, 2006). En 2012 recibió el Premio Nacional de Fotografía y la Creu de Sant Jordi de la Generalitat de Catalunya.
José Ortiz Echagüe Norte de África
Fechas: 5 junio – 27 julio
Una amplia selección de retratos, paisajes y arquitecturas fotografiados por Ortiz Echagüe durante sus viajes a Marruecos. La exposición revisa las series que anticipan la importante trayectoria de una de las figuras clave de la fotografía española.
José Ortiz Echagüe es una de las figuras más relevantes de la fotografía del siglo XX en España, un artista reconocido internacionalmente y clave por la singularidad de su trabajo, difícil de clasificar. Su obra comparte muchos rasgos con la fotografía pictorialista por el uso de técnicas pigmentarias, el cuidado de las composiciones y el tratamiento formal de sus imágenes. Al mismo tiempo, entendió su obra con un propósito documental, fotografiando a los personajes locales en su entorno natural.
Norte de África revisa sus primeros trabajos, quizá los menos conocidos, realizados en el norte de Marruecos. Incluye tanto la fotografía aérea a la que dedicó buena parte de su tiempo, como retratos y paisajes en los que muestra las condiciones de vida y las tradiciones de los habitantes del Rif. La exposición pretende recordar el trabajo que dio origen a la obra madura del autor, clasificada en cuatro grandes series temáticas recogidas en los libros Tipos y trajes (1930), España, pueblos y paisajes (1939), España mística (1943) y España, castillos y alcázares (1956).
José Ortiz Echagüe (1886 − 1980) comenzó a realizar fotografías hacia 1898. En 1903 ingresó en la Academia de Ingenieros Militares de Guadalajara y tras ello sirvió en la Guerra del Norte de África. Obtuvo los carnés de Piloto de globos y de aviación en 1911. Empresario relevante, en 1923 regresó a España y fundó Construcciones Aeronáuticas. En 1950 creó Seat, la primera industria española de fabricación de automóviles en cadena. Abandonó la fotografía tras perder la vista a los 87 años.
8.- (04) COMUNIDAD DE MADRID / SALA ALCALÁ 31
Chema Conesa Retratos de papel
Fechas: 29 abril – 27 julio. Horario: 11 a 20,30 h
Chema Conesa radiografía la sociedad española de los últimos 35 años a través de sus protagonistas. Grandes personajes de todos los ámbitos como Pedro Almodóvar, Camarón, Miguel Delibes, Miquel Barceló, Francisco Umbral o Ferran Adrià.
Chema Conesa viene realizando desde hace más de treinta años una extensa biografía de España a través de sus retratos. Para él han posado tanto los protagonistas españoles de los más diversos campos como grandes personajes internacionales. Rafael Alberti, Francis Bacon, Eduardo Chillida, Ana María Matute, José Saramago, Leonard Cohen, Liza Minelli o Francis Ford Coppola son solo algunos de los iconos que ha enfocado su lente. Casi siempre en color y casi siempre con una pose que descubre otra manera de ver al personaje.
La exposición, organizada con motivo de la concesión del Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid 2011 en la modalidad de fotografía a Chema Conesa, presenta más de cien obras en distintos formatos que cubren toda su trayectoria, desde las más íntimas a las más espectaculares. Junto a la exposición se publica un libro que recoge una extensa selección de su trabajo.
Chema Conesa (Murcia, 1952), periodista, fotógrafo y editor gráfico, es licenciado en Historia del Arte, Imagen y Periodismo. Comenzó su carrera profesional en 1976 en El País, como fotógrafo y redactor. Ha sido jefe de Fotografía en el semanario El Globo, editor gráfico en El País Semanal y subdirector de Fotografía del Magazine de El Mundo. Dirige la Biblioteca de fotógrafos españoles PHotoBolsillo y es asesor de la Fundación World Press Photo. Ha comisariado exposiciones como Contactos de Ramón Masats y Lusofonías. Pisadas sonámbulas de Navia. En 2010 recibió el Premio Bartolomé Ros de PHotoEspaña a la mejor trayectoria española en fotografía.
9.- (03) CÍRCULO DE BELLAS ARTES
FUNDACIÓN BANCO SANTANDER
La Palangana
Leonardo Cantero / Gabriel Cualladó / Sigfrido de Guzmán / Juan Dolcet / Paco Gómez / Fernando Gordillo / Ramón Masats / Francisco Ontañón / Joaquín Rubio Camín / Gerardo Vielba.
Fechas: 4 junio – 31 de agosto. Horario: 11-14 y 17-21 h.
El colectivo La Palangana revolucionó la fotografía española a finales de la década de 1950, huyendo del academicismo y el pictorialismo imperantes
Esta exposición revisa la obra del grupo, que apostó por una concepción artística de la fotografía centrada en el hombre y su cotidianidad
La Palangana da nombre a un colectivo de fotógrafos surgido en 1959 en el seno de la Real Sociedad Fotográfica madrileña. Se trataba de un grupo de amigos que compartían las mismas inquietudes estéticas y teóricas. Sus intenciones eran, fundamentalmente, apartarse de los criterios academicistas y del pictorialismo fotográfico imperante, así como dar un testimonio veraz de la España de su tiempo mediante sus imágenes. Para ello dirigieron su mirada a la periferia de la ciudad y a los pueblos, una actitud insólita y casi subversiva. Desde sus distintas sensibilidades, estos fotógrafos plantaron la semilla de lo que hoy podríamos considerar un Neorrealismo español y, junto a otros nombres señalados, constituyeron la llamada Escuela de Madrid.
Al grupo fundacional de La Palangana, constituido por Leonardo Cantero, Gabriel Cualladó, Paco Gómez, Ramón Masats, Francisco Ontañón y Joaquín Rubio Camín se le sumaron en dos etapas sucesivas Fernando Gordillo, Gerardo Vielba, Juan Dolcet y Sigfrido de Guzmán, al tiempo que algunos de los iniciadores se distanciaron del proyecto. El nombre del colectivo procede de una fotografía, incluida en la exposición, realizada por Francisco Ontañón. En ella vemos los retratos de los seis fundadores depositados en una palangana, un recipiente que utilizaban para el líquido revelador. Esta exposición estudia este episodio clave y poco conocido de la historia de la fotografía española, ofreciendo una cumplida muestra de la obra de sus participantes.
Josep Renau The American Way of Life
Fechas: 4 junio – 27 julio
Josep Renau es una de las figuras más destacadas del fotomontaje y el cartelismo españoles
Esta serie, creada en su exilio mexicano, denuncia el imperialismo norteamericano y su estilo de vida
El artista valenciano Josep Renau destacó sobremanera en la técnica del fotomontaje. Vinculado desde 1931 al Partido Comunista, su preocupación por la política y la influencia que recibió de movimientos artísticos como el expresionismo, el dadaísmo y el surrealismo le llevaron al convencimiento de que debía usar el arte como arma revolucionaria.
Al término de la contienda española se exilió en México donde, influido por la proximidad con los Estados Unidos, comenzó la serie Fata-Morgana. USA – The American Way of Life. En este trabajo critica la Guerra Fría, el capitalismo, el racismo o el militarismo, muy influenciado por el artista alemán John Heartfield y con la pretensión de lograr la mejora de las condiciones de vida del ser humano. Esta exposición reúne la serie completa, compuesta por 69 obras, y rescata un trabajo que, lejos de envejecer, cobra especial interés en la actualidad, tanto por el contexto de crisis socioeconómica como por su reflexión sobre la función social del arte y la cultura.
Josep Renau (1907– 1982), graduado en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos, fue director y fundador de Nueva Cultura y codirector de Verdad. Como Director General de Bellas Artes fue responsable de la salvaguardia del patrimonio artístico nacional durante la Guerra Civil. En 1937 participó en la realización del Pabellón de la Exposición Internacional de París encargando a Picasso la realización del Guernica. Tras años de exilio en México se instaló en Berlín Oriental en 1958 hasta su muerte y no regresó a España hasta la amnistía general de 1976.
Fotografía 2.0
Laia Abril / Pablo Chacón / Diego Collado / Manuel Fernández / Miguel Ángel García / Juana Ghost / Alejandro Guijarro / Albert Gusi / Roc Herms / Darius Koehli / Reinaldo Loureiro / Daniel Mayrit / Óscar Monzón / Noelia Pérez / Jordi V. Pou / Arturo Rodríguez / Txema Salvans / Miguel Ángel Tornero / Jon Uriarte / Fosi Vegue.
Fechas: 4 junio – 27 julio
Fotografía 2.0 reflexiona sobre las transformaciones de la fotografía española en un contexto de producción masiva de imágenes, globalización y poscapitalismo
Joan Fontcuberta ha seleccionado a una veintena de fotógrafos nacidos a partir de 1970 que han interpretado críticamente la nueva situación.
Las primeras generaciones de fotógrafos se desarrollaron con la cultura visual de la pintura, otras tomaron el cine como referencia, las siguientes lo hicieron con la TV y finalmente ha irrumpido Internet como universo formateador del imaginario contemporáneo. Un universo caracterizado por un flujo de imágenes infinito.
Esta producción masiva de fotografías puede considerarse como un efecto del pos capitalismo y de la globalización que viene propiciado por una sucesión de innovaciones tecnológicas y culturales. El nuevo contexto ha trastocado las reglas de juego de la imagen. Los valores de la fotografía “sólida” que respondían a la cultura tecno-científica y a la economía industrial del siglo XIX son sustituidos por los de una fotografía “líquida” basada en la cultura de lo virtual y en las economías de la información del siglo XXI.
Fotografía 2.0 pone de relieve estas transformaciones tomando como caso de estudio el ámbito español, en un momento en que se surge una oleada de jóvenes fotógrafos capaces de interpretar críticamente la nueva situación. La exposición se estructura en tres apartados. El primero se ocupa de aspectos como la banalización del acto fotográfico, la vorágine de los reality shows, el voyeurismo exacerbado y la pérdida de intimidad. El segundo atañe a las formulaciones de identidad social, a las narrativas biográficas, a las ficciones personales a la luz de las nuevas herramientas digitales. El último apunta al “inconsciente tecnológico” de la posfotografía, a los accidentes y fisuras que son reciclados artísticamente para desplegar un vocabulario estético innovador.
Alberto García-AlixAutorretrato
Fechas: 31 julio – 28 septiembre
Todas las caras de Alberto García-Alix en su exposición más personal y autobiográfica. Una muestra que se centra en sus trabajos más autorreferenciales, desde finales de los años 70 hasta la actualidad
Autorretrato no pretende ser un diario de Alberto García-Alix ni supone un ejercicio egocéntrico. El concepto de autorretrato es para él muy amplio ya que abarca una gran parte de su obra en la que se considera reflejado. Es difícil encontrar en su trabajo alguna pieza que no sea intensamente autorreferencial y podría decirse incluso que toda su obra, en conjunto, forma un gran autorretrato. La muestra recorre su trayectoria desde los primeros autorretratos realizados a finales de los 70 hasta la actualidad. Un ejercicio continuo de búsqueda y experimentación sobre sí mismo y su vida. La exposición incluye también su obra en vídeo más autobiográfica hasta la fecha De donde no se vuelve.
Alberto García-Alix (León, 1956) ha recibido los principales premios españoles en reconocimiento a su carrera: Premio Nacional de Fotografía (1999), Premio de Fotografía de la Comunidad de Madrid (2004) y Premio PHotoEspaña (2012). Su obra también se ha desarrollado en Francia y China, donde ha trabajado y residido. Desde 1981 ha realizado numerosas exposiciones entre las que destacan las de Les Rencontres Internationales d’Arlès y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Ha publicado una docena de libros de fotografía y ha firmado vídeos de creación donde palabra e imagen se fusionan. Su faceta de escritor se refleja en la publicación de cerca de 50 textos ensayísticos, relatos y cuentos en prensa diaria, revistas culturales y libros de imágenes. Como editor creó la revista de culto El canto de la tripulación y codirigió la colección Los Libros del Cuervo.
Navia Nóstos
Fechas: 4 junio – 28 septiembre
Navia expone su obra más personal, que pivota alrededor del viaje, la memoria y el territorio. Una exposición que recorre doce años de trabajo de un autor que ha hecho del viaje su oficio y vocación.
Nóstos es un proyecto que nace fruto de más de doce años de trabajo. En él, el fotógrafo reflexiona acerca del viaje esencial que es la propia vida y, tras haber hecho del viaje su oficio y vocación, comparte con el espectador su visión del mundo. El nombre de la muestra y del libro que la acompaña –editado por Ediciones Anómalas– proviene de la definición del término griego Nóstos, que remite a los conceptos de vuelta a la patria, regreso, viaje, camino, salida y posibilidades de regreso.
El trabajo se apoya en tres conceptos fundamentales: el territorio, sobre el que se verifica todo proyecto fotográfico; el viaje, que lleva a ese territorio; y la memoria, que da sentido al territorio y lo humaniza. Navia llena este viaje de imágenes a la manera en que un escritor usa las palabras. Su intención es que el espectador vea el mundo reconociéndolo más que descubriéndolo y con el propósito de que ese mirar suponga un regreso al origen, un encontrarse a sí mismo.
Navia (Madrid, 1957) empezó a trabajar como fotógrafo freelance en 1987. Perteneció a la agencia Cover y desde 1992 es miembro de Vu’. Ha sido editor gráfico de El País Semanal y ha colaborado con el Magazine de La Vanguardia, la edición española de National Geographic, GEO y La Repubblica. Su trabajo más personal se desarrolla en libros como Photobolsillo, Pisadas sonámbulas: lusofonías, Marruecos, fragmentos de lo cotidiano, Territorios del Quijote, Ciudades Patrimonio de la Humanidad, Un Madrid literario, o éste último, Nóstos.
10.- (10) MUSEO ICO
Fotografía y arquitectura moderna en España, 1925-1965
Fechas: 4 junio – 7 septiembre. Horario:11 a 20 h.
El Museo ICO presenta una muestra que pone en valor el papel disciplinar de la fotografía en el contexto de la arquitectura española de la modernidad. La exposición reúne más de 200 fotografías de cerca de cuarenta fotógrafos entre los que se encuentran Kindel, Català-Roca, Pando o Paco Gómez.
Fotografía y Arquitectura Moderna en España, 1925-1965 nace de un proyecto de investigación en desarrollo y presenta, por primera vez y de forma explícita, un acercamiento al papel de la fotografía en la modernidad arquitectónica española. Se establece como marco temporal flexible aquellas décadas que la historiografía de la arquitectura española señalan como específicas de lo que se denominó el Movimiento Moderno: desde la irrupción de las vanguardias a mediados de la década de 1920 hasta la crisis del Estilo Internacional a finales de la década 1960.
La muestra –que reúne a más de 40 fotógrafos y arquitectos– aparta las fotografías de su contexto y finalidad –la difusión de la arquitectura– para valorarlas en sí mismas desde la óptica de la disciplina fotográfica y la aportación de los fotógrafos. Como ocurre en el contexto internacional, también en España se produjo un flujo intenso de trabajo y cooperación entre fotógrafos, arquitectos y medios de comunicación que contribuye a poner en valor la mirada de los primeros. Junto a los más conocidos y prolíficos como Català-Roca, Kindel, Pando o Gómez, la exposición presenta el trabajo de cerca de profesionales que retrataron la arquitectura española de la modernidad. El interés de los arquitectos por la fotografía, sus retratos y los medios de difusión arquitectónica son otros de los temas que trata esta muestra, que pretende sentar en el debate interdisciplinar las bases de una reflexión sobre el papel de la fotografía y los fotógrafos en esta temática particular y en su propia autonomía disciplinar.